viernes, 30 de septiembre de 2011

"Paranormal Activity 3", más de lo mismo pero en los 80

Henry Joost y Ariel Schulman, los mismos realizadores del polémico fake-documental titulado “Catfish”, se encargan de dirigir la tercera (y según dicen última) parte de la saga “Paranormal Activity”, que en esta ocasión se presenta como una precuela de la historia descrita en las entregas anteriores. La película continuará explotando la conocida fórmula de terror y cintas de video caseras, pero nos contará el origen de la maldición que persigue a las chicas que tan mal lo pasaron en los dos films anteriores. Tras los terribles sucesos de la segunda parte, esta cinta tendrá lugar en los años 80, para contarnos la historia de la infancia de las dos hermanas y el origen de su relación con la entidad que acabaría haciendo tanto daño a sus vidas y a la de sus seres queridos.

El guión ha estado a cargo de Christopher B. Landon, el encargado de escribir “Paranormal Activity 2”, mientras que el creador de la película original Oren Peli y Jason Blum vuelven a producir esta nueva entrega. “Paranormal Activity 3” llegará a los cines españoles el 21 de Octubre.

“Año 1988. Katie y Kristi son dos hermanas pequeñas que un día, jugando inocentemente, provocan que una entidad invisible se instale en su casa. Aunque al principio parece un ser amigable, termina volviéndose hostil, atormentando a las niñas y a su familia…”

Crítica: La Cara Oculta

Al cine acudía yo sin muchas expectativas a ver ‘La cara oculta’ (‘Bunker’, Andrés Baiz, 2011), y eso es debido a que (como suele suceder con este tipo de cintas), el tráiler te mostraba secuencias claves de la trama.

¿Por qué puñetas se empeñan en hacer un resumen de la película en lugar de realizar un tráiler que sugiera, en lugar de mostrar que invite a ver la película en cuestión?

Suerte que fui rápido y quité el tráiler a tiempo, ya que, gracias a eso, he podido disfrutar bastante de este muy entretenido “thriller” psicológico cargado de tensión e intriga.

‘La cara oculta’ es una de esas películas en la que nada es lo que parece, comenzamos con un personaje, continuamos con otro, y finalmente, acabamos desde el punto de vista de un tercero. Una solución formal no especialmente arriesgada ni original (ya se ha hecho otras veces antes), pero que se sale un poco de lo establecido.

La trama comienza fuerte, tenemos al primer personaje (un correcto Quim Gutiérrez), director de orquesta derrumbado por una desgracia, acto seguido, conocemos al segundo (la guapa Martina García), una camarera sin mucho cerebro (y sin muchas tetas) que se pasa el día duchándose. -Hago un parada en el camino para hacer una mención: ‘La cara oculta’ debe ser la película con más escenas de ducha de toda la Historia del Cine. No es broma. No las conté, pero puedo asegurar que fueron muchísimas-. Y el tercer personaje (la guapa y muy agradable Clara Lago), diseñadora de moda que lo pasa un poco mal por amor, bueno, un poco al principio, luego lo pasa rocambolescamente mal.

Conforme avanza la trama, vamos entendiendo a qué viene tanta ducha, tanto aseo personal y tanta secuencia en el cuarto de baño (no, no es para que le veamos las tetas a Martina García. Como ya he mencionado, apenas tiene). Este asunto tiene que ver con un elemento importante de la trama, una trama que se va tornando cada vez más y más siniestra hasta llegar a un clímax que te pone los nervios de punta.

Las sorpresas se van sucediendo mientras el espectador se intenta adelantar a los pasos de los protagonistas (a veces lo consigue, otras veces no), y la eficacia de la cinta se hace patente cuando termina y nos damos cuenta de lo rápido que se ha pasado, de lo bien que nos lo hemos pasado y de lo bien orquestado (nunca mejor dicho) que está todo.

En definitiva, ‘La cara oculta’ se posiciona como uno de los “thrillers” psicológicos más conseguidos del año, y que por primera vez, y sin que sirva de precedente, te deja con ganas de más (¿una secuela?).

Lo que más me ha gustado: Clara Lago y los sucesivos giros que contiene la trama.

Lo que menos me ha gustado: a veces te adelantas y no logran sorprenderte.

Crítica: Mil Gritos Tiene la Noche

A principios de este año, el pasado 8 de enero más concretamente, nos dejaba Juan Piquer Simón. El guionista y director valenciano ha sido, sin duda, uno de los grandes del cine fantástico de este país, siempre teniendo en cuenta las adversidades, financieramente hablando, y el escaso interés que este país, sobretodo “las autoridades” encargadas de las ayudas al cine español, le brindaron a sus proyectos.

jueves, 29 de septiembre de 2011

Avance (VII) Sitges’11

BRIGADOON CON LUIGI COZZI, JEAN ROLLIN Y JOSE MARÍA OLIVEIRA. ZOMBIE WALK, FIESTA EN LA PLAYA Y MARATÓN.

En el edificio Miramar se celebra otro festival. En realidad es el mismo, el de Sitges 2011. Pero sin duda Brigadoon bien podría ser otro certamen por sus particularidades. En esta sección, todo amante del fantástico está invitado porque su entrada es libre (gratuita), se presentan diversas propuestas cinematográficas en los formatos DVD y Blu-Ray y se centra en la difusión de cortometrajes. Tiene hasta un galardón propio: el Premio Brigadoon Paul Naschy.

Homenajes que incluyen la entrega del premio honorífico Nosferatu, ciclos, series, charlas, presentaciones y la Zombie Walk se fusionan a lo anterior para formar una de las secciones más variadas, participativas y alucianantes de Sitges. Pero sobretodo, es gratis. Que quede claro.

En esta nueva edición, visita este espacio el realizador italiano Luigi Cozzi para recibir el Premio Nosferatu a toda su carrera dedicada al género fantástico. Después de clásicos como “Starcrash” (1979) o “Contamination – Alien arriva sulla terra (1980), Cozzi presentará su nueva película, el documental “Roma fantastica” (2010).

El desaparecido realizador francés Jean Rollin (1938-2010) tendrá un espacio de honor en Brigadoon, con un recuerdo especial a sus títulos más emblemáticos, como “Le viol du vampire” (1967) o “Les raisons de la mort” (1978), la recuperación de “La Nuit des horloges” (2007) y el estreno de su última película, “Le masque de la Méduse” (2010), además del documental sobre su figura: “Jean Rollin, le rêveur égaré” (2011), dirigido por Damien Dupont y Yvan Pierre-Kaiser. También habrá un recuerdo para Juan Piquer Simón, con la proyección de su clásico “Mil gritos tiene la noche” (1982).

“Las flores del miedo” (1972) y “Los muertos, la carne y el diablo” (1973), dos títulos malditos de la cinematografía española escondidos durante años y dirigidos por Jose Maria Oliveira, verán finalmente la luz. Más vale tarde que nunca. Los fans de las obras más oscuras del Fantaterror ya pueden empezar ha hacer cola.

Los cortometrajes a competición por el Premio Brigadoon Paul Naschy de esta edición son “8”, “70m2”, “Agustín del futuro”, “El espectador”, “Grasman”, “Hojas”, “Inquietos”, “La granja”, “Luz”, “New Order”, “Sabrina”, “Sonia”, “Under the Apron” y “Versus”.

En el apartado de estrenos encontramos, entre otros, “Mr. Bricks: A Heavy Metal Murder Musical”, la nueva producción de Troma; “The Orphan Killer”, el mejor slasher de los últimos tiempos, dicen; “Last Caress”, tributo al giallo desde tierras francesas; las cintas españolas “Carne Cruda” y “Cop Models”; “Mission: Turbozombies”; y las pelis zombies “Bong of the dead”, “Eaters” y “Morituris”.

Dentro del documental encontraremos “El misterio de Fassman: The Terror Group”, producción de Sebastià d’Arbó, que repasa el actual cine de terror nacional con la aparición de directores como Jaume Balagueró, Nacho Cerdà, Paco Plaza y J.A. Bayona. El otro documental está a cargo de Celia Novis con “On Vampires and Other Symptons” que nos introduce en vida y obra del realizador José Ramón Larraz.

Los apartados de Imagen D.E.A.T.H., CineAsia o Asian Trash Cinema, junto a Japan Madness, dentro del cual se podrá ver “Horny House of Horror” o “I Love the video nasty list!” y la colaboración un año más de FIB cortos completan esta brutal programación.

PROGRAMACIÓN:

BRIGADOON 07 OCT: Cannibal mercenary, Las flores del miedo & Horny house of horror. MIRAMAR 15:00 h.

BRIGADOON 08 OCT: Carne Cruda, Premi Brigadoon Paul Naschy & The terror group. MIRAMAR 15:00 h.

BRIGADOON 09 OCT: Luigi Cozzi, Premi Brigadoon Paul Naschy & Malditos sean!!! MIRAMAR 13:00 h.

BRIGADOON 10 OCT: Apocalypse, virus et zombie, Los muertos, la carne y el Diablo & Love camp 7. MIRAMAR 15:00 h.

BRIGADOON 11 OCT: IMAGEN D.E.A.T.H. MIRAMAR 15:00 h.

BRIGADOON 12 OCT: On vampires and other Symptons, Baby Shower (LEER CRÍTICA), Last Caress; Mondo Macabro. MIRAMAR 12:00 h.

BRIGADOON 13 OCT: Asian Trash Cinema, The Orphan Killer (LEER CRÍTICA); La masque de la Méduse. MIRAMAR 15:00 h.

BRIGADOON 14 OCT: Bong of the dead, Eaters (LEER CRÍTICA), Morituris & The neighbour zombie. MIRAMAR 14:00 h.

BRIGADOON 15 OCT: El misteri de Fassman, Jean Rollin, Cop models, mission: Turbozombies, Thrist. MIRAMAR 13:00 h.

BRIGADOON 16 OCT: Le viol du vampire & Contamination-Alien arriva sulla terra. MIRAMAR 14:00 h.

ZOMBIE WALK, FIESTA EN LA PLAYA Y MARATÓN, VIERNES 14

No será viernes 13, sino 14, de octubre. La Zombie Walk, uno de los eventos más importantes del Festival, comenzará a las 20:30 h en el Palau Miramar con la participación de los protagonistas de la película “Juan de los Muertos” en el pistoletazo de salida y recorrerá Sitges hasta finalizar en el Passeig de la Ribera. Ya en la playa comenzará una fiesta putrefacta y gratuita, a partir de las 22:00h en el mismo Passeig de la Ribera, si no se entretienen comiendo carne humana. Los Tiki Phantoms (presentados por Festival Internacional de Benicássim) y DJ Niño (The Pinker Tones) amenizarán el acto, que continuará en la calle 2 de mayo con la participación de los locales de la zona y de Jack Daniel’s, patrocinador de la marcha zombie. Al parecer los muertos se jartan a alcohol. Total, no van a morir de cirrosis.

Los que no vengan infectados de casa, a partir de las 12:00 se instalará un set de maquillaje gratuito en el edificio Miramar. Si, gratuito.

Y si un monton de muertos antropófagos caminando por las calles de la villa y haciendo botellon en la playa no era suficiente, el cine El Retiro, a la una de la madrugada, ofrecerá la maratón La noche + zombie con títulos como “DeadHeads”, “World of the Dead: The Zombie Diaries” (LEER CRÍTICA) o “Exit Humanity” , entre otros.

Los patrocinadores oficiales del evento serán Jack Daniel’s, Fox – The Walking Dead, Editorial Planeta/Minotauro y FIB (Festival Internacional de Benicássim). Así que seamos educados y consumamos lo que nos ofrecen que para eso pagan.


miércoles, 28 de septiembre de 2011

"In Time" de Andrew Niccol, el tiempo es oro

El próximo 2 de diciembre llegará a las salas de cine españolas “In Time” un thriller futurista de ciencia ficción, escrito y dirigido por Andrew Niccol responsable de otros films de ciencia ficcion como “Gattaca” o “Simone” y también guionista de películas tan sonadas como “El Show de Truman”. La cinta esta protagonizada por Justin Timberlake (“La Red Social”), Amanda Seyfried (“Jennifer's body”), Olivia Wilde (“Tron Legacy”) y Cillian Murphy (“28 Días Después”).

Puede que “In Time” tenga un planteamiento que pueda parecer algo trillado, pero hay que tener en cuenta que se trata del nuevo trabajo del director de “Gattaca” y “El Señor de la Guerra”, lo que se dice un cineasta con experiencia. La cinta nos trasladará a un futuro en la cual la tecnología genética ha permitido detener el envejecimiento celular, sin embargo el tiempo de vida de la gente es limitado y sólo los adinerados pueden comprar más tiempo de vida, lo cual desencadena un thriller de ciencia ficción, acción y crítica.

El argumento de la película lleva a un futuro próximo. En el cual, mediante tratamiento genético, se ha podido localizar el gen del envejecimiento humano. Con lo que todo el mundo cuenta con una vida eterna y la población permanece estancada en los 25 años. Pero para evitar la superpoblación del planeta, la población tiene que pagar grandes fortunas por sus años de vida. Lo que hace que sólo los más ricos y poderosos consigan disfrutar de esa tan ansiada vida eterna, mientras que el resto se ve empujado a negociar por la eterna juventud.

Crítica: Psicosis

“Psycho” o “Psicosis”, como ustedes prefieran, no es solo una de las mejores películas de la historia o de su director, el maestro del suspense Alfred Hitchcock, sino mucho más.

Cuanto más tiempo pasa, más grande es su sombra y su legado, a pesar de haber cumplido recientemente los 50 años de edad Psycho se mantiene tan fresca o incluso más que el primer día.

“Psycho” es una película que nunca deja de sorprender, pues tras cada nuevo visionado, siempre se descubren nuevos detalles con los que solo, un auténtico genio como Hitchcock, era capaz de dotar a la mayoría de sus obras.

“Psycho” también es el punto de partida de muchos conceptos que serían desarrollados y llevados más allá por nuevos directores, aunque no siempre con resultados tan satisfactorios.

Pero si algo hace imprescindible al film es el nacimiento del asesino en serie como tal, dentro del genero de terror y suspense.

Norman Bates es el padre de todos los locos psicópatas que han campado a sus anchas por el celuloide desde entonces, concretamente del Leatherface de “La matanza de Texas” (Tobe hooper, 1974) y el Hannibal Lecter de “El silencio de los corderos” (Jonathan Demme, 1991) puesto que ambos personajes, al igual que Bates, están basados en el personaje real de Ed Gein y sus horribles crímenes descubiertos el 16 de noviembre de 1957.

Hechos que sirvieron como base para el escritor Robert Bloch para escribir la que sería su obra más importante y le daría el billete a la inmortalidad, “Psycho”.

Una novela tramposa, donde al igual que haría el maestro del suspense en su traslación a la pantalla, se juega constantemente con el lector hasta el final.

Hitchcock leyó la novela durante un vuelo e inmediatamente supo que “Psycho” sería su siguiente proyecto, aunque en un principio pensó en convertirla en un episodio de su famosa serie Alfred Hitchcock presenta.

Pero el trabajo realizado por parte de Joseph Stefano en la adaptación de la novela, entusiasmó al maestro y le hizo querer convertir el nuevo guión en su próxima película.

Aunque para ello, esta vez contaría con el equipo de su ya mencionada serie para llevarla a cabo y poder así abaratar costes de producción.

El guión de Stefano es fantástico y cierto es que es una gran adaptación del original, pero he de decir a favor de Bloch que todo, absolutamente todo, estaba ya presente en su novela, por lo que Stefano, lo único que hizo fue quitar todos aquellos pasajes prescindibles y que cinematográficamente no tenían la importancia necesaria o no interesaban para desarrollar la gran farsa de la película, además de tomar como punto de partida el personaje de Marion Crane y convertirla en la protagonista absoluta de la historia.

Otro punto fundamental de toda gran película pero de esta en concreto, es la elección y calidad de sus actores.

Hoy solo me detendré en los dos más importantes, Janet Leigh y Anthony Perkins.

La idea de matar a la protagonista a los 40 minutos de metraje resultaba novedosa, a excepción de "El crepúsculo de los dioses" (Billy Wilder, 1950). Pero su planteamiento, obra del gran maestro, era completamente nuevo, dejar al espectador sin un personaje al que seguir ni con el que identificarse, para conseguir que el público se sintiese aún más perdido de lo habitual para poder manejarlo aún más a placer, era algo que nunca se había planteado de esa manera.

Pero Hitchcock lo tenía claro, quería que la muerte del personaje de Crane fuera aún más inesperada y sorprendente de lo normal, por lo que enseguida supo que necesitaba a una gran estrella de la época y Janet Leigh era perfecta para el papel.

Consiguió convencer a la actriz de "Sed de mal" (Orson Welles, 1958) y el resto es historia.

Nominación al oscar a mejor actriz de reparto gracias a un papel inolvidable, convertirse en la primera scream queen de la historia y sobre todo, ser la protagonista “absoluta” (Se usó una doble de cuerpo) de una de las escenas más famosas de la historia, sino la que más… como no, me refiero a la escena de la ducha.

Mención a parte merece su compañero Anthony Perkins, un ídolo de adolescentes que participó en la película solo porque debía una película a Paramount, productora de la película.

Perkins supo dotar y dar vida a todas y cada una de las aristas que un personaje como Bates necesitaba.

Bates es un personaje muy complejo, pues es en definitiva un enfermo mental que en su extraña paranoia, cree ser un joven de 22 años que intenta proteger a su madre enferma, a la cual odia con toda su alma porque esta le avergüenza constantemente. Pero aún así cuando esta comete los asesinatos, él es el encargado de borrar las pruebas de sus supuestos crímenes, porque no puede evitar amarla e intentar ayudarla.

Perkins muestra locura y un halo de misterio que envuelve constantemente al personaje, pero también humanidad, sensibilidad, preocupación, cariño, arrepentimiento… etc.

No concibo un Norman Bates mejor que el que Perkins nos regaló en esta película y su primera secuela.

La dirección de Hitchcock solo puede ser definida como sublime y elegante.

Conoce el lenguaje audiovisual a la perfección y lo utiliza para engañar al espectador (El plano cenital que muestra como Bates baja a su madre al sótano mientras los dos hablan), para mostrar algo que no existe (Las puñaladas de la escena de la ducha), pero sobre todo, para mantener la mentira hasta el final.

Porque para quien nunca ha visto Psycho, el final es algo tan inesperado, como los asesinatos, no importa el paso del tiempo, la calidad de la película es tal que mantiene todo el suspense como el primer día.

No podemos olvidar a Bernard Hermmann y su mítica banda sonora, sin la cual, la escena de la ducha no sería ni la mitad de impactante de lo que es, ni tampoco los magníficos títulos de crédito de Saúl Bass ni todo el trabajo de Story Boards que desarrolló para la película.

En definitiva, “Psicosis” ha sido una película pionera en muchos aspectos, demasiados, que a pesar del paso del tiempo y los constantes cambios de modas, de idas y venidas en los gustos en los espectadores, consigue atrapar y cautivar a todos los nuevos espectadores que se acercan hasta el Motel Bates.

Larga vida a Norman Bates... y a su madre.

martes, 27 de septiembre de 2011

Crítica: Gremlins

Joe Dante comenzó su andadura por el cine de terror dirigiendo dos largometrajes “de bichos”: ‘Piraña’ (‘Piranha’, 1978), un sucedáneo del mega éxito ‘Tiburón’ (‘Jaws’, Steven Spielberg, 1975) y ‘Aullidos’ (‘The Howling’, 1980), una película de licántropos bastante curiosa y original, -por cierto, ambas contaron con un magnífico trabajo del maestro de los efectos especiales Rob Bottin-.

En su momento ninguna de las dos propuestas llamó demasiado la atención excepto por un par de detalles, su tremendo humor negro y su brutal crítica contra los estamentos (militar, social, cultural, etc.). Hoy día, ambas películas son de culto.

Después de dirigir un par de experimentos -con algunos colegas de profesión- tales como ‘Police Squad!’ (‘Police Squad!’, David Zucker, Jerry Zucker, Jim Abrahams, 1982) y ‘En los límites de la realidad’ (‘Twilight Zone’, Steven Spielberg, John Landis, George Miller, 1983), Joe Dante (y de nuevo en colaboración con Spielberg, al cual no le importó que Joe le plagiara su ‘Tiburón’, es más, le encantó la película de los pececitos devoradores de personas), se puso manos a la obra y nos regaló otra “peli de bichos”, un cuento de Navidad un tanto peculiar (e increíblemente divertido y gozoso).

Un cuento que estaba destinado a un público juvenil pero en el que, debido al increíble sentido del humor de su director (cosa que ya dejó patente en sus dos primeras obras tal y como ya he mencionado anteriormente), se podían escuchar lindezas del tipo: “en Navidad unos abren regalos y otros se abren las venas” (esta frase se la dice la chica de la película -una preciosa y encantadora Phoebe Cates- al protagonista –un simpático Zach Galligan-) o la historia que la misma chica cuenta (también al protagonista) de por qué odia la Navidad: “mi padre se disfrazó de Papá Noel y entró por la chimenea para dejar los regalos, resulta que ésta estaba encendida, mi padre se quemó vivo, a continuación se partió el cuello y murió”. Repito, ‘Gremlins’ (‘Gremlins’, 1984) estaba destinada a un público juvenil.

Pero son este tipo de (brutales) frases y las continuas (y descarnadas) críticas, -además de las violentas, grotescas y bizarras muertes que se van sucediendo a lo largo de la trama-, las que colocan a esta película en el altar de las películas fantásticas más difrutables jamás realizadas.

Si a todo eso le sumamos la (maravillosa) costumbre que tiene Joe Dante de plagar de referencias cinéfilas (aquí la más obvia resulta la de "Blancanieves y los siete enanitos", pero se pueden encontrar más, como por ejemplo, a "Mad Max 2" o a "La invasión de los ultracuerpos") sus películas, el resultado final solo puede calificarse de excelente.

Y no es para menos, porque cuando en una misma película tienes a Joe Dante (dirección), Steven Spielberg (producción), Jerry Goldsmith (música), Chris Walas (diseño de criaturas) y Chris Columbus (guión), no hay otra opción.

Una joya que no ha envejecido nada mal (todo lo contrario) y que cada Navidad se puede visionar y disfrutar como si fuera la primera vez.

Yo no me canso de verla (y llevo casi 30 años haciéndolo).

Lo que más me ha gustado: casi todo, y en especial, su macabro sentido del humor.

Lo que menos me ha gustado: que ya no se hagan películas juveniles como ésta.

lunes, 26 de septiembre de 2011

"John Dies at the End", marchando un Coscarelli con salsa de soja

¿Pero que ven mis ojos? Es el tráiler de “John Dies at the End”, lo nuevo de Don Coscarelli (“Phantasma”, “Bubba Ho-Tep”) y menuda pinta que tiene la condenada. Tomad asiento porque es para marearse. La película se basa en una novela de David Wong y nos cuenta la historia de un par de tíos algo irresponsables, que toman una extraña droga, bueno en realidad es salsa de soja, que les hace transportarse a otras dimensiones, pero algunos de los que regresan de este "viaje" ya dejan de ser humanos y así es como da comienzo una invasión demoniaca de otro mundo que amenaza con destruir a la humanidad, y claro...se necesita un héroe para pararles los pies. ¿Que os parece? Cualquiera diría que se me ha ido la flapa, pero en el tráiler podéis ver que todo esto cierto, veréis seres que parecen salidos de “La Cosa” de Carpenter, podridos que caminan, demonios, descuartizamientos, gente grotesca y tiros, aquí hay para todos los gustos.

Pero atención también a algunos de los nombres que aparecen en el reparto: Clancy Brown ("Los Inmortales"), Doug Jones ("Hellboy"), Angus Scrimm (el mismísimo "Hombre Alto" de "Phantasma"), Paul Giamatti ("La Joven del Agua"), Glynn Turman ("Super 8"), Chase Williamson  y Rob Mayes.

“John Dies at the End” es la primera película dirigida por Coscarelli en casi diez años (sin contar el capitulo “Incident on and Off a Mountain Road” de la serie “Masters of Horror”), y llegará a los cines de USA en algún momento de 2012.

Es una droga que promete una experiencia con cada viaje. En la calle lo llaman salsa de soja, y transporta a quienes la toman a través del tiempo y a otras dimensiones. Sin embargo, algunos ya no regresan como humanos. De repente, una silenciosa invasión de otro mundo está en marcha, y la humanidad necesita un héroe. Aquí aparecen John y David, un par de desertores de la universidad que apenas son capaces de mantener sus empleos. ¿Podrán estos dos tipos salvar a tiempo a la humanidad?. No, no podrán...

domingo, 25 de septiembre de 2011

Crítica: ChromeSkull: Laid to Rest 2

Conclusión, “ChromeSkull: Laid to Rest 2” y hablando en términos de software, es lo mismo que decir “Laid to Rest V2.0”. Pues estamos delante de una actualización de la misma película de hace un par de años, un producto que por una lado parchea gran parte de los errores que impidieron que aquella primera entrega se colase entre las mejores de su género. Esto quiere decir que al potaje argumental, se le ha añadido algo más de substancia, ya sea la denominada “carne mojada”, la característica pelota o esa especie de tortilla que se hace con harina (la hacía mi abuela, no se que denominación recibe), mas que nada para que cuando metamos la cuchara en el plato, encontremos algo mas que los putos garbanzos y la asquerosa col o lo que es lo mismo, un puñado de personajes absurdos dando tumbos en una historia absurda a la espera de que aparezca el asesino de turno para rescatarnos del mas absoluto de los tedios. Esto tampoco quiere decir que estemos ante la panacea de la profundidad cinematográfica, ni mucho menos, pero señores, en un subgénero como es el Slasher, donde la historia suele estar menos trabajada que mi afeitado de los lunes por la mañana, pues es de agradecer que por lo menos, se note un mínimo esfuerzo por parte de los guionistas en dar forma a una ídem que sea mínimamente seguible por el personal sin que este deba recurrir a ponerse alfileres en los párpados para intentar mantenerse consciente durante noventa minutos.

En este sentido, muy original y aun mas acertada, me ha parecido la idea (por muy descabellada que pueda ser, que lo es) de meter en escena a una extraña organización criminal que trabaja al servicio de “ChromeSkull”, si niños/as, como lo oís, aquí el asesino de turno ya no es ese jinete solitario al que estamos acostumbrado, no señor, aquí el amigo es el mandamás de dicha organización, la cual se encarga de limpiar los estropicios que este va dejando a su paso y cuidadín, por que es una empresa con caché, donde vamos a encontrar a gente tan “ilustre” como Brian Austin Green (y juro por la calva de Rob Halford, que jamás me tragué un episodio de “Sensación de Vivir”) quien, aunque pueda sonar aberrante, encarna al personaje mas interesante de toda la trama, llevando hasta límites insospechados uno de los pecados capitales de los que solo están libres algunos ángeles, la envidia.

A su lado, otra ilustre y os fijaréis que esta vez, lo de ilustre no va entrecomillado, por que ahora hablamos de la sexy Danielle Harris y con estos temas no se debe bromear., que la chica ya se ha convertido por méritos propios en toda una musa del género (“Stake Land, “Hatchet”, “Hatchet 2”, “Halloween: El Origen”, “Halloween 2”, etc…) y aquí se pone nada mas y nada menos que en el difícil pellejo de la asistente de imagen de “ChromeSkull”, tarea nada fácil y mucho menos agradecida. Por supuesto, de esta organización no se da el mas mínimo de información, olvidaos de los “cuando”, “donde” o “por que”, mas que nada, por que (valga la redundancia), los efectos de la droga que se habían metido los guionistas, expiró cuando iban a liarse con el tema de tan ansiada explicación. - Esto es un puñetero Slasher, (pensaron), ¿Quién coño va a querer o necesitar una explicación?, no estaban faltos de razón. Quien busque respuestas o verdades universales, que se las pida a quien las tenga o quiera dárselas.

Si seguimos con el baile de nombres, también vamos a encontrar entre todos ellos, otro que de seguro comienza a ser bastante familiar para todos aquellos/as que nos pajeamos con este tipo de productos, hablo del eterno chico triste, Thomas Decker, ese muchachito poca cosa, incomprendido como nadie y de aureola semi gótica que siempre se está metiendo en líos, ya sea haciendo de un adolescente John Connor enamorado de una máquina (aunque hay que reconocer que el modelo tenía buenos acabados) o de payaso triste en aquel patético espectáculo circense que fuera el remake de “Pesadilla en Elm Street”. Thomas “tristeza” Decker da continuidad al papel interpretado por el mismo en la primera parte y siendo justos, hay que reconocer que lo hace bastante mejor que en aquella ocasión, cosa por otra parte, no demasiado complicada amén de una excelente noticia para el espectador, pues esta vez se calza los calzones de protagonista. Para terminar con el tema, a los mas guarrotes del lugar, también les sonará el nombre de Angelina Armani, quien como tantas otras pornostars, también hace sus pinitos en el terror, interpretando aquí a una agente de policía en un pequeño papel.

Seguimos parcheando errores. Glándulas mamarias. La primera entrega no ofrecía ni un solo destete, lo dije en su día. Esta versión 2.0 corrige esto, pues solo comenzar se marca una llamativa y de aroma muy clásico, secuencia de ducha, donde la protagonista del filme anterior (también conocida por algunos, como la morena de las tetas grandes de “Laid to Rest”), amortiza sus generosas carnes (esto por supuesto, me lo han contado, pues estoy totalmente en contra de explotar la imagen de la mujer en el cine como mero reclamo sexual y siempre miro hacia otra parte cuando intuyo que esto puede suceder).

Y para terminar con los parches, pues quizá el mas evidente de todos y es que esta nueva versión, ya no luce como un teatrillo de barrio, sino como una película de verdad, y además, una de esas bien filmadas, sin desprenderse del todo ese tufillo de cine independiente o producto de bajo coste, cierto, pero con una presencia muy aseada y plagada de buenas intenciones, personal y con una gran fuerza visual, que al final, es lo que realmente cuenta. Que entre por los ojos, lo primero. Luego ya se verá.

Y lo mejor para el final, o para el principio, según se mire, pues los mas avispados/as, ya os habréis dado cuenta de que esta vez he comenzado por el final… no por nada en especial, simplemente no se me ocurría nada mínimamente ingenioso con lo que abrir la velada y he decidido pasar directamente al postre. Bien, a lo que iba, lo mejor. Pues parcheados todos los defectos de antaño, no podía ser de otra forma que también, se potenciaran aquellos elementos que ya funcionaron en su día. Dicho y hecho. ¿Queríais violencia? Pues dos tazas. A ver, “ChromeSkull” sigue teniendo el mismo carisma de siempre, es decir, ninguno. Ahora bien, si la primera entrega era sangrienta, esta secuela lo es proporcionalmente al tamaño de los pechos de Bobbi Sue Letter (aka la morena tetuda de “Laid to Rest”, también vista en el remake de “Night of the Demons” y ahora que lo pienso, también conocida como la rubia tetuda del remake de “Night of the Demons”). Mucha mas sangre por centímetro cuadrado, muchas mas muertes y lo mas importante de todo, mucho mas salvajes, incómodas e imaginativas (da gusto ver como corta la carne cual mantequilla nuestro alopécico amigo), de lo visto en la primera aventura del señor “Chrome Skull”, que recordemos, no era poco. Por lo tanto, estamos ante una película de babero, chubasquero e incluso, si hablamos en términos "pajilleros", de calcetín.

La historia continua justo donde terminó la primera parte, con la pareja de supervivientes abandonando el supermercado y dejando atrás el cadaver del asesino. Es aquí cuando entra en escena, una siniestra y misteriosa organización, quien recoge el cuerpo, milagrosamente aun con vida y lo "restauran" para que pueda llevar a cabo su venganza. Paralelamente a esto, uno de los miembros de dicha organización, comienza a experimentar una enfermiza obsesión por el asesino.

Niños y niñas, hoy vamos a hablar de “ChromeSkull: Laid to Rest 2”, la nueva película del especialista en efectos especiales y director eventual, Robert Hall, esto… ¿os he hablado alguna vez de un tal Blu?

"Six Degrees of Hell", en la casa del terror con Feldman

Después de ponernos los dientes largos con unas cuantas imágenes y carteles promocionales, hoy por fin ha salido el primer tráiler de “Six Degrees of Hell”, la cinta de terror de serie b que promete ser la película más terrorífica del 2012 (o eso aseguran ellos) y que entre sus filas cuenta con nuestro goonie favorito, me refiero a Corey Feldman (“Lost Boys: The Thirst”). La cinta dirigida por Joe Raffa cuyo guión ha escrito Harrison Smith (“The Fields”), cuenta como un investigador de sucesos paranormales llamado Kyle Brenner (Feldman) está buscando a un amigo y socio que un buen día desapareció cuando fue a visitar un tétrico hotel de Pennsylvania. Pero Brenner se verá atrapado en el hotel junto con otras personas por culpa de una serie de terroríficos sucesos sobrenaturales que amenazan al pueblo donde está situado el hotel.

El rodaje de “Six Degrees of Hell” se ha producido en un hotel abandonado de Saylorsburg, Pennsylvania, un hotel victoriano que desde hace unos años se ha transformado en una atracción conocida como “The Hotel of Horror”. A parte de aprovechar el decorado del lugar, también contrataron a los actores que habitualmente trabajan en la atracción para que interpretaran a los monstruos de la película, unos auténticos profesionales en esto de dar sustos. Pero lo más curioso es que, según dicen, en el lugar realmente ocurren sucesos paranormales relacionados con fantasmas y lleva años siendo investigado por parapsicólogos. Cuentan que actores y gente del equipo experimentaron cosas que son difíciles de explicar en aquel lugar. Una vez que el equipo de producción de “Six Degrees of Hell” llegó al hotel, el equipo no funcionaba correctamente, las baterías explotaban sin ningún motivo, aparecían extrañas manchas en las cintas al revelarlas, hacía un frío inusual y sonaban ruidos desgarradores. La película se presentó ayer en el festival de cine de Buffalo Niagara Festival, y tiene previsto estrenarse en 2012.

“Seis personas se ven atrapadas en medio de una perfecta tormenta sobrenatural que ha venido a llevarse a uno de ellos, mientras amenaza con hacer trizas el alma de un pequeño pueblo de Pennsylvania…”

sábado, 24 de septiembre de 2011

AVANCE (VI) SITGES’11

LA PRECUELA DE “THE THING” CLAUSURARÁ EL FESTIVAL Y COPPOLA, KEVIN SMITH Y EL DUO BUSTILLO Y MAURY COMPLETAN LA SECCIÓN OFICIAL FANTÀSTIC

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña-Sitges 2011 anuncia la programación al completo con la esperada precuela de “The Thing” (2011) como película de clausura. La cinta investiga los hechos ocurridos en la base noruega vecina a la norteamericana donde se desarrollaba la historia de 1982, del maestro Carpenter, desvelando así lo que en aquella se mostraba sólo en pistas, y contestando a esperadas preguntas, como la naturaleza del alienígena que siembra el terror en la Antártida.

Otros grandes títulos son “Twixt”, el film de terror en 3D de Francis Ford Coppola; “Red State” de Kevin Smith, visión aterradora del fundamentalismo religioso; “Livide” de Alexandre Bustillo y Julián Maury, pareja descubierta hace unos años en Sitges con “A l’intérieur”.

El rompecabezas que es la programación está casi al completo. Siempre nos quedan sorpresas que la organización va desvelando a su tiempo. Por el momento, os facilitamos el resto de películas programas a proyectar en esta edición.

Sección Oficial Fantàstic en Competición:

"Another Earth": una historia de redención entorno al personaje de una joven traumatizada por una tragedia de su pasado y que encontrará en un extraño fenómeno, como la aparición de una réplica de la Tierra en una órbita cercana, la respuesta a sus innumerables interrogantes. Este film de Mike Cahill fue una de las triunfadoras de Sundance 2011. RECOMENDADA.

"The Divide": Xavier Gens, director de Frontieres, vuelve con el apocalipsis como bandera para mostrar la relación entre un grupo de supervivientes de una explosión en Nueva York que se encierra en un búnker esperando que la pesadilla acabe. Un film de ciencia ficción con ecos de paranoia post 11-S. RECOMENDADA.

"Hell": Roland Emmerich apadrina este thriller postapocalíptico dirigido por Tim Fehlbaum que anuncia la barbarie de una sociedad que sólo cree en la supervivencia tras un desastre que ha convertido el planeta en un verdadero infierno de temperaturas insoportables.

"Livid": los controvertidos directores franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury (A l’intérieur) vuelven ahora con una libre versión de los cuentos infantiles y un homenaje en toda regla al cine clásico de horror desde la Hammer al cine del mismísimo Mario Bava. RECOMENDADA.

"Lobos de Arga": la licantropía y el humor se unen en esta producción española dirigida por Juan Martínez Moreno con un trío de ases: Carlos Areces, Gorka Otxoa y Manuel Manquiña. El cine español recupera así una temática clásica como la del hombre lobo con un fino toque paródico que implica que estemos ante una digna sucesora de El bosque del lobo o las películas de Paul Naschy.

"Red State" (Leer crítica): Kevin Smith vuelve a dirigir un film distante a sus anteriores (Persiguiendo a Amy, Clerks) retratando con destellos del cine de Rob Zombie la América profunda a través de una secta. Un grupo de adolescentes se encuentra con unos fundamentalistas religiosos, hecho que provocará una violenta lucha cuando los SWAT intervienen. Estupendas interpretaciones a cargo de John Goodman, Michael Parks y la oscarizada Melissa Leo.

"Saint" (Leer crítica): siguiendo la estela de la ganadora de la pasada edición, Rare Exports: A Christimans Tale, el director Dick Maas (famoso por films de culto como El ascensor o Amsterdamned) presenta a San Nicolau como el protagonista de este film de terror adolescente que conecta con el mejor cine de género de los años 80. RECOMENDADA.

"The Woman": el polémico novelista Jack Ketchum, junto al director Lucky Mckee, vuelve con la actriz de Offspring Pollyanna McIntosh en un film donde una familia “corriente” tendrá secuestrada a una salvaje en una bodega de su finca. Una reflexión entorno a los mecanismos internos de violencia en el seno de una familia típica americana.

Sección Oficial Fantàstic Panorama:

"Apollo 18": el español Gonzalo López-Gallego (El rey de la montaña) presenta un falso documental sobre un viaje a la Luna, gráficamente tan espectacular que la misma NASA ha tenido que informar que no les han proporcionada nada de material para completar el film. Un Paranormal Activity en clave de ciencia ficción. RECOMENDADA.

"Detention" : presentada en SXSW con gran éxito de crítica y público, Joseph Kahn describe los malos momentos de la adolescencia a partir de una comedia descarada, sanguinaria y con algunos toques de ciencia ficción que muchos han definido como el Scream de las nuevas generaciones.

"Extraterrestre" : después de presentar Los cronocrímenes en el 2007 (los americanos ya han comprado los derechos para el remake) Nacho Vigalondo vuelve con esta comedia con trasfondo de ciencia ficción que se revela como uno de los films más originales, divertidos y redondos del año. RECOMENDADA.

"The Innkeepers": el director de la magnífica “The House of the Devil”, Ti West, vuelve a la carga con un film lleno de suspense, sustos y alguna que otra carcajada donde los protagonistas intentarán demostrar con una grabadora y una linterna que un hotel está encantado.

"Pouler aux Prunes": Los creadores de Persépolis, Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud, vuelven a la carga con una nueva adaptación de un cómic de Marjane Satrapi. Un reputado violinista iraní intenta encontrar sin éxito un nuevo violín en esta emocionante historia a medio camino entre la animación y la imagen real.

"Twixt" : Francis Ford Coppola dirige a Val Kilmer en un film de asesinatos, fantasmas y alguna otra sorpresa, basado en un propio sueño del director donde incluso se atreve a introducir como personaje al mismísimo Edgar Allan Poe. Visualmente vanguardista Coppola incluso llega a utilizar la tecnología del 3D de forma interactiva. RECOMENDADA.

"Verbo": el debut en el largometraje de Eduardo Chapero-Jackson se plantea como una propuesta arriesgada y valiente, en una historia donde la ciencia ficción se mezcla con un argumento de tribus urbanas juveniles que no disgustaría para nada al propio Gus Van Sant. La ópera prima más innovadora del cine español contemporáneo que cuenta con Miguel Ángel Silvestre, Verónica Echegui y Najwa Nimri en el reparto.

Sesión Especial:

"The Artist": el festival de Sitges quiere tener presente a uno de los “films acontecimiento” del año dirigido por Michel Hazanavicius. The Artist es una fantasía inolvidable entorno al cine mudo que se convierte con derecho propio al mejor homenaje que el séptimo arte se ha hecho a sí mismo. Destacar el impresionante trabajo Jean Dujardin que le valió el premio al mejor actor en el pasado Festival de Cannes. RECOMENDADA

"Intruders": con el reciente pase como película inaugural en el Festival de San Sebastián, la nueva película de Juan Carlos Fresnadillo es un estudio de los terrores infantiles en formato thriller oscuro que no renuncia a momentos marcadamente fantásticos y de terror. RECOMENDADA

"El Monje": brillante adaptación de una de las novelas fundacionales del género gótico (admirada por el propio Buñuel), Dominik Moll se adentra en la historia de un monasterio del siglo XVII donde un monje encuentra el camino del demonio. Cuenta con un elenco estelar como Vincent Cassel, Geraldine Chaplin y Sergi López.

"Gantz y Gantz": Perfect Answer: Kei y Masaro son atropellados por un tren. De repente se encuentran en una habitación con más gente y que una bola gigante que preside el espacio les invita a participar en un juego macabro. El ganador obtendrá un premio muy buscado: volver a la vida. Adaptación en dos largometrajes de los más de treinta volúmenes del manga de Hiroya Oku con personajes de carne y hueso siguiendo la nueva moda del cine japonés al realizar adaptaciones de sus populares novelas gráficas.

LA BARCELONA APOCALIPTICA DE LOS PASTOR

Los hermanos Pastor volverán a la Blanca Subur, después de presentar en 2009 la melancólica “Carriers” (Infectados), con la misión de mostrar un avance de su nuevo proyecto titulado “The Last Days” (Los últimos días).

Si hace unas semanas Alex y David presentaban cuatro minutos (su teaser) de lo que iba ha ser su segundo largometraje, escrito y dirigido, en el Festival de Toronto, ahora se anuncia un avance completo en el Festival de Sitges.

En la actualidad, Toronto es el perfecto escaparate para entrar en el mercado americano, bien lo saben Juan Carlos Fresnadillo (“Intruders”) y Nacho Vigalondo (“Extraterrestre”) que acudieron con sus últimos trabajos a la cita canadiense. Sitges, por su parte, lo es en Europa y en el mundo entero como embajador del género fantástico.

“The Last Days” es un proyecto, en proceso de producirse, sobre un thriller apocalíptico ambientado en Barcelona y gira en torno a una misteriosa epidemia de agorafobia que impide a la gente salir a la calle. El protagonista del film es un oficinista, Mateo, que debe cruzar la ciudad en busca de su novia embarazada.

En busca de posibles inversores, los hermanos Pastor presentan a los distribuidores un producto que costará en torno a los 5 millones de euros. El casting en busca de los actores (españoles, esta vez) está en marcha, a la espera de poder comenzar el rodaje a finales de año y así poder estrenar en otoño de 2012. Contará con el apoyo de las productoras Morena Films, Antena 3 Films y Rebelión Terrestre.

EVENTO FAN CREPÚSCULO

Enhorabuena a los amantes de la saga Crepúsculo, porque un año más el festival acogerá el Evento Fan. El 8 de octubre es la fecha señalada para la presentación en Sitges de “Amanecer (Parte I)”. Por ahora, la organización guarda en secreto hasta el último momento los nombres de los invitados de la película que participarán, aunque algunas fuentes apuntan a que visite la villa el actor Taylor Lautner, que interpreta en la saga al hombre lobo despechado más conocido del panorama cinematográfico actual, Jacob Black. Todo se verá.

Este evento lleva celebrándose dos años y genera al certamen tal publicidad e ingresos que se ha convertido en una de los actos más importantes. El primer Evento Fan tuvo lugar en Sitges 2009 con la presentación de “Luna Nueva”, la secuela de Crepúsculo, a cargo de Jamie Campbell, actor que encarna el papel secundario de Cayo y que también pudimos disfrutar en “Sweeney Todd” , de Tim Burton.

Más de mil personas (en su mayoría adolescentes con la testosterona alta) formaron una cola kilométrica a la espera de ver al actor y de entrar en el Auditori para ver un nuevo trailer y escenas exclusivas sobre la nueva entrega de la saga.

El éxito fue rotundo y la distribuidora Aurum repitió evento con Sitges 2010. Esta vez fue la presentación de “Eclipse” a cargo de uno de los miembros más importantes del elenco de vampiros, Kellan Lutz.

En este Festival todos tienen cabida. Paciencia a los incondicionales del fantástico puro, las colas, empujones y gritos de adolescentes “vampiras” solo serán por un día.

"Human Centipede 2", 12 bocas para 12 culos

Realmente me da miedo pensar de lo que es capaz de hacer el señor Tom Six para asegurarse el premio al director más enfermo de la historia del cine, desconozco si tiene límites y desconozco si es capaz de imaginar y llevar a la pantalla cosas tan o más enfermas de la que nos podemos imaginar los seguidores de este blog. Seguramente, Tom Six no parará hasta crear la película que nos haga vomitar a todos, que nos ponga el estomago del revés y nos haga apartar la mirada del televisor para no expulsar nuestras propias entrañas por la boca, la que nos haga perder el conocimiento e incluso, la película que provocará que le encierren por el bien de la salud pública.

Si en la primera entrega, “The Human Centipede (First Sequence)”, unió a tres personas por sus bocas y sus culos para crear un ciempiés humano, ahora va aún más allá y para la segunda, “The Human Centipede 2 (Full Sequence)”, crea el centípedo de 12 cabezas, compuesto por doce personas unidas quirúrgicamente de la misma manera.

Como podéis ver, además de un par de téasers que ya rondan por la red desde hace varios días, ha salido el primer póster, el mismo que acompaña a esta noticia y en el que se ve la silueta de un cienpiés formado por seres humanos, todo con un cuidado diseño y en el que se puede leer la frase “100% medically inaccurate”. “The Human Centipede 2”, prohibida en el Reino Unido, censurada en EEUU, y estrenada en Australia, aún no tiene fecha de estreno en España.

Según palabras del propio Tom Six respecto a su film: “A diferencia de la primera película, la secuela presenta imágenes gráficas de violencia sexual, defecación forzada y mutilación, y el espectador es invitado a ser testigo de los eventos desde la perspectiva del protagonista. Considerando que la primera película presenta la idea del ciempiés como un experimento médico repugnante, enfocándose en las víctimas y su posibilidad de escapar, esta secuela presenta la idea del ciempiés como un objeto en la depravada fantasía sexual de su protagonista”. Abreviando, visionar “The Human Centipede 2 (Full Sequence)” puede ser una experiencia totalmente inolvidable, imborrable para nuestras "inocentes" mentes, una asquerosidad enfermiza que a todos nos causa una malsana curiosidad, seguramente por aquello de: ¿De que habrá sido capaz esta vez...?.

“Martin es un hombre con problemas mentales que vive con su madre en un barrio marginal de Londres. Él trabaja en el turno de noche como guardia de seguridad en un estacionamiento subterráneo. Allí se obsesiona cada noche viendo una y otra vez la película “The Human Centipede” en el pequeño televisor de su garita. Al borde de la locura por culpa de su padre, y su difícil niñez, Martin pone en marcha un plan para emular el ciempiés humano que tantas veces ha visto en su película favorita.”

viernes, 23 de septiembre de 2011

Una Eternidad. Tres Minutos, literatura de terror solo para tus ojos

Hacemos un pequeño paréntesis en nuestra actividad cinéfila habitual, para recomendaros desde aquí, rincón de los cuervos, un nuevo proyecto literario que lleva por nombre "Una Eternidad. Tres Minutos", donde dos buenos amigos de este blog, Alicia Missterror y Victor F. Corven, aúnan fuerzas y estilos, dando rienda suelta a sus oscuras y si se me permite decirlo, perturbadas mentes, para deleitarnos con su desbordante creatividad. Si os van este tipo de lecturas macabras, no esperéis una maldita eternidad y pasaros por el blog, no os arrepentiréis. Palabra de El Rector.

Desde aquí, desearles toda la suerte del mundo en esta nueva andadura, si es que realmente, necesitan tal cosa.

Crítica: Melancholia

“L’enfant terrible” del cine europeo, o mejor dicho, del cine mundial, esto es, Lars Von Trier, vuelve a dar una nueva (y magistral) lección de cine.

Un planeta errante denominado Melancholia se dirige hacia el planeta Tierra. Los expertos dicen que pasará cerca pero que no habrá colisión, sin embargo, hay quien piensa que los científicos pueden haber errado a la hora de hacer los cálculos y temen que Melancolía acabe por colisionar con el planeta azul.

Con semejante (y tan sencilla) premisa, -más propia de un “blockbuster” veraniego gestado en Hollywood, ahí se encuentra Michael Bay y su ‘Armageddon’ (‘Armageddon’, 1998), que de una película de autor intimista e independiente-, el director danés construye una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos.

Y esto lo consigue sin costosos efectos especiales, sin grandes secuencias de masas y sin un gran despliegue de medios técnicos. “Fácil” y “sencillo” (entre comillas: ya que en el cine nada es fácil y sencillo).

El director es famoso por sus neuras, por sus idas de olla y por sus desafortunadas declaraciones en las ruedas de prensa; -las últimas perlas que esputó fueron unas declaraciones pro-nazis en el último Festival de Cine de Cannes. Los responsables del festival lo declararon persona “non grata” y le prohibieron su presencia en dicho festival. ¿Le perdonarán algún día?-.

A mí personalmente no me gusta su forma de ser ni de actuar (no me va este tipo de personas, prefiero las personas humildes, las que trabajan duro y no hacen ruido), pero no estoy aquí perdiéndome el Barça-Milán de Champions para hablar del Lars persona (es decir, del “Lars neuras”), sino para hablar del Lars artista (es decir, del “Lars genio”), porque solo un genio es capaz de realizar algo como ‘Melancholia’ (‘Melancholia’, 2011).

Efectivamente, polémicas aparte, considero a Lars Von Trier un genio. No hay más que ver el prólogo de su última obra maestra para darse cuenta de que estamos ante uno de los más grandes (y también más originales e interesantes) cineastas de la actualidad.

La belleza plástica de sus imágenes es abrumadora, así como la sabia utilización de la música y los efectos sonoros.

Pero no solo de prólogos vive el hombre, toda ‘Melancholia’ es una obra de arte, una auténtica pieza de orfebrería plagada de grandes momentos, algunos de los cuales nos hace pensar que estamos observando un cuadro (en movimiento). La fotografía de Manuel Alberto Claro es de una belleza sin igual, exquisita hasta decir basta.

La cinta está rodada con una inteligencia y una brillantez extremas, con un dominio absoluto del tempo narrativo y las formas, y con un manejo extraordinario a la hora de fusionar dos géneros tan (a priori) dispares como son el cine de catástrofes y el drama más intimista y desgarrador.

Si a todo esto le añadimos un colosal plantel de intérpretes entre los que destacan, Kirsten Dunst (premiada en el último Cannes por su gran trabajo en esta cinta), Charlotte Gainsbourg (enorme la actriz francesa, tanto o más como en la anterior película del director, -por la que Charlotte fue premiada en Cannes 2009-) y Kiefer “Bauer” Sutherland (infravalorado actor que cada día que pasa crece a pasos agigantados), “violà”, ya tenemos otra imprescindible y magna pieza que añadir al Séptimo Arte.

La creatividad de Lars Von Trier no parece tener límites, y solo cabe esperar que no baje el listón y siga en la misma línea.

Recemos para que otros cineastas como él surjan y nos deleiten con obras como ésta.

Lo que más me ha gustado: prácticamente todo.

Lo que menos me ha gustado: siempre me veo en la obligación de escribir algo aquí. Cuando no se me ocurre nada, entonces digo que la cinta tiene un exceso de duración. Eso sí, en este caso concreto apenas lo he notado.

Crítica: Hijos de los Hombres

Cuando el Rector se decidió a quitar los clavos de mi ataúd, supongo que no esperaba que yo fuera a escoger senderos tan periféricos en ésta mi primera incursión en el Reino de las Sombras. De haber sido así, yo probablemente seguiría allí encerrado, acordándome de la puñetera madre que parió a Raymond Chandler; ya sabéis, El Largo Adiós, El Sueño Eterno...

Pero aquel alma caritativa -e inconsciente- abrió la tapa de mis esencias (predominaba un persistente hedor a cadáver, debo confesar.) Y la sonriente criaturita infernal que soy salió envuelta en efluvios, más cabra que macabra, más bien señor de las moscas que morboso amo de la noche, silbando pletórico el Himno de la Alegría, que brotaba sibilante de entre sus generosos colmillos. Vivir es bello, oh sí. Aunque se esté muerto. Uno nunca se espera el momento de su renacimiento, llamadme “Nosperatu”. Si Botticelli hubiera presenciado tan magno acontecimiento, su cuadro más conocido habría dejado de representar a una rubia maciza emergiendo de una concha, para inmortalizar a este modesto servidor de ustedes saliendo de su elegante féretro. Después de todo salir de una concha no es nada original, todos salimos de una. Pero a ver quién es el listo que sale además de un ataúd, sea con ayuda o sin ella. Pues eso.

A cambio de mi liberación se me exigía destripar una película. Debía yo elegir una virginal doncella para llevar a cabo mi bautismo de sangre en este blog. Quería demostraros a todos que, llegado el momento, mis garras nunca tiemblan. Y tenía que escoger el escenario apropiado para perpetrar mi enfermiza misión. Pero, en vez de optar por un lóbrego páramo desolado en el que dar rienda suelta a mi más-turbio amor por la casquería, o elegir una ampulosa casa abandonada en cuya buhardilla iluminada se recortara la silueta de un espectral engendro de pesadilla, hete aquí que me dio la ventolera de revolcarme en el fango de una Londres futurista, una abominable ciudad distópica, a medio camino entre las calles de Blade Runner y la chatarrería del tito Juan. Cosas veredes, amicus Rectorus. Es lo que tiene ser un vampiro que lee a Kierkegaard y Schopenhauer. El existencialismo me puede.

O eso, o me levanté con el pie izquierdo, algo lógico, habida cuenta que los vampiros tenemos dos pies izquierdos, un pie izquierdo al final de la pierna izquierda (cosa normal y harto probable) y un pie izquierdo al final de la pierna derecha (cosa ésta algo más chocante). En nuestra presencia ninguno osaríais descalzarnos para contarnos los deditos de los pies. Lo sé, no puedo culparos por ello. Pero tenéis que creer que, en nuestra manía de ser los más siniestros, los vampiros terminamos por tener dos pies izquierdos. Y feos de cojones. Antes muertos que sencillos. Lo de los zapatos es una puta ruina, cierto, comprar dos pares para usar sólo uno. Pero qué le vamos a hacer, un vampiro descalzo no luce, no va a ningún “lao”.

Por estas dos razones y por alguna más, decidí no ilustraros con el hallazgo de algún novedoso sistema de riego de mollejas por aspersión, y no internaros en la insondable maravilla de los infinitos recovecos de unos intestinos sabiamente eviscerados. En lugar de tales delicatessen, me decanté por un largometraje de corte filosófico: “Hijos de los hombres”, un film menos truculento. Aunque, eso sí, tan terrorífico como el que más. Hay que decir en mi descargo que en esta decisión tuvo cierto peso el hecho de que, en el plazo de una semana, yo mismo vaya a ser el padre de otra criaturita del Averno.

La magnífica película que nos ocupa se estrenó allá por el 2006, y no tuvo la acogida que innegablemente merece . Nada de qué sorprenderse: yo soy un tío de puta madre y tampoco me acogen muy bien que digamos. Esta película aúna en su haber un guión eficaz, una puesta en escena de altos vuelos, una dirección firme y unas actuaciones más que solventes. Ahí es nada. Tras la cámara está el mejicano Alfonso Cuarón, nominado a dos estatuillas por este trabajo. El reparto es de lujo: Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine, entre otros. La producción de la cinta es británica, estando basada la historia en el libro homónimo (“Chidren of Men”) de la también británica, P. D. James. La fotografía es impresionante. Comparten protagonismo unos asépticos espacios, en los que transita la vida de los ricos, e infectas calles por las que se arrastra la rutina miserable de los pobres. La basura y la podredumbre están presentes en toda la filmación. Diríase una película enferma, de principio a fin: desde la neblinosa y pestilente atmósfera de la ciudad hasta las degradadas conciencias de los hombres que la habitan. Desde los bajos fondos urbanos a los rascacielos más sofisticados. Todo está podrido. Todo amenaza con derrumbarse en cualquier momento. Ojo, que empiezo a “expoliar.”

La acción se sitúa en el Londres del año 2027. Un tipo con cara de oficina entra en una hamburguesería a comprar un café solo para llevar. Se encuentra allí a una muchedumbre abigarrada de clientes hipnotizados con la noticia que está retransmitiendo el inefable televisor: acaba de morir el que hasta la fecha ostentaba el título de ser el hombre más joven del planeta. Todos andan pillaos con eso, incluido un Bobby, embobado como todos los demás, y que parece haber olvidado decir aquello de “circulen, circulen”. El hombre con cara de chopo sale de allí y, a los pocos pasos, la hamburguesería sale volando por los aires. (Atención a esa señora que sale de entre los escombros pidiendo que le echen “una manita.”) Luego Clive, Theo en el celuloide, engrosa el abultado Manual de excusas brillantes para faltar al trabajo y aprovecha para ir a ver a su colega Jasper, o Casper.

La cosa promete, ¿verdad? Pues dejad de acariciaros los pezoncillos, porque ahora viene lo mejor.

El mundo se ha ido al carajo ¿vale?, pero es que además es el carajo equivocado, oigan. Un carajo estéril, sifilítico e impotente, incapaz de prolongar la permanencia en la tierra más allá de la degenerada-generación existente. En su “schopenhaueriano” esfuerzo existencialista, la Humanidad no duda en realizar toda clase de atrocidades, tropelías y actos vandálicos, acercándose un poco más al ansiado escalafón evolutivo ocupado por su prima hermana: la cucaracha. Y todo ello en un contexto de burocratización, estado policial, toques de queda, persecución de inmigrantes ilegales, guerrilla y grupos armados que intentan asestar el golpe definitivo a un sistema que apesta. Los ciervos estudian en colegios abandonados y los nuevos portales de Belén están llenos de cochambre y jeringuillas. Las imágenes son de una sobrecogedora belleza y un contundente impacto visual. Abundan los planos generales, ligeramente sobrexpuestos, con tonalidades grisáceas; también sepias y azuladas. Podremos ver cerdos volando, Davides que cojean del pie izquierdo, Guernicas de comedor.

La cosa anda chunga. Pero hay un leve rayito de esperanza. Una mujer en estado de buena esperanza. No se llama Esperanza. La señora es negra, como el futuro que se abre ante los Hombres. Muy pronto, lo que parecía ser una rutinaria misión para escoltar y proporcionar unos “papeles de tránsito” a una inmigrante ilegal de relativa importancia, pasa a ser el leit motiv de toda la cinta. Este giro argumental es como dar un golpe de timón para esquivar unos arrecifes, y acabar chocando contra la isla del tesoro. A los que les guste el gore tendrán una pequeña ración con la emocionante escena del parto.

El actor protagonista es Clive Owen (pronúnciese “Claiv” para estar a la moda.) El amigo está aquí que se sale del pellejo, sobre todo cuando no se ríe. Como le dan pocos motivos para hacerlo (un chiste de una cigüeña que sobrevuela un tablero de ajedrez lisérgico, un canuto de maría de fresas, una pelota de ping pong que va de boca en boca, poco más), pues el tipo lo borda. Interpreta con oficio a un carismático personaje, bebedor, materialista y descreído, un prenda al más puro estilo “pa chulo mi pirulo”, y que irá evolucionando a lo largo de la historia. Alguien en quien confían los animales no puede ser tan malo. Juro que al próximo funcionario que se me ponga borde le suelto eso de: “Tiene algo entre los dientes”.

La réplica se la da un vetusto y melenudo Michael Caine, en su estado de gracia habitual. Caine interpreta a un hippie post-apocalíptico de envidiable sentido del humor, om shanti shanti shanti, om mani padme hum, que bromea con tirarse de un dedo y que tiene una mujer-perchero que parece haberse quedado colgada en una fiesta de ácido o algo por el estilo, hasta que descubrimos que padece mal de Alzheimer, o perdió un hijo, o ambas cosas, esa clase de asuntos que suceden cuando el mundo se ha ido al carajo equivocado. Aún le queda una última pastilla por tomar, en todo caso.
La tríada de actores principales se cierra con una morbosa Julianne Moore, llamada también Julianne en la cinta para no complicarse aún más la vida, que cumple sin despeinarse como la líder de un grupo de la resistencia armada que consigue embarcar a su ex novio en una peligrosa misión. Lo que viene a demostrar que los ex novios del futuro siguen siendo igual de gilipollas, y las ex novias igual de bellamente persuasivas. El papel de Julianne es corto pero intenso, como los buenos orgasmos.

El ritmo de la acción es como el de la locomotora de un largo tren de mercancías: lento (la carga emocional que arrastra es demasiado pesada y peligrosa como para andarse con prisas) pero imparable (el punto de destino está al final de la vía. El “Mañana” va a zarpar). Quizás, sólo quizás, hay algún momento de decaimiento del pulso narrativo en las varias ocasiones en que el protagonista consigue burlar a sus perseguidores con sospechosa facilidad. Pero funcionan casi como un respiro, necesario para tomar aliento y poder seguir adelante. SPOILER Hay que destacar en este punto la muerte del personaje que interpreta Michael Caine. Yo de mayor me pienso morir como él, tirándome del dedo. Gran hombre. FIN SPOILER

La banda sonora no es para tirar cohetes, pero está a la altura en los momentos cruciales. Se oyen temas de John Lenon, The Libertines, Deep Purple o King Crimson. Incluso hay un temilla envolvente de Franco Napiato. La música funciona como un telón de fondo que arropa los escenarios, produciendo a veces resultados cercanos al videoclip. Mi momento favorito en este sentido es cuando suena “In the court of the Crimson King” (King Crimson, obviously), mientras nos dan un paseo turístico en coche por la City. En todo caso a quien no le guste puede optar por la música zen que propone el bueno de Jasper.

Mención aparte merecen los chispeantes diálogos, de un incisivo sarcasmo sin perder nunca de vista el sentido del humor más negro. Son de destacar en este caso las conversaciones entre el protagonista y su ex novia. Y entre los dos amigos.

He dejado para el final una secuencia que justifica por sí sola el visionado de la película entera: el asalto armado al bloque de viviendas. Después de un travelling de vigor excepcional, la cámara se interna sin perder un ápice de fuerza en las entrañas de un inmueble infestado de terroristas y almas en pena, regalándonos escenas de la acción más trepidante. Una BOMBA visual ensordecedora. Un excelente tributo al mejor cine bélico, que conduce al inevitable desenlace.

Lo mejor: La radiografía de una sociedad enferma y los retratos psicológicos de los personajes.

Lo peor: puestos a encontrarle algo, la dudosa fuga del protagonista con el coche renqueante.

En definitiva, no podéis perderos esta maravilla. Espero haberos contagiado mi entusiasmo.

“Nas noches”. Y no olviden taparse el cuello.

jueves, 22 de septiembre de 2011

Avance (V) Sitges’11: Gran Premio Honorífico para Bryan Singer

Sitges tendrá al director Bryan Singer y Singer tendrá el Gran Premio Honorífico del Festival Fantástico 2011. El realizador de clásicos del cine de género como la saga “X.Men”, “Superman Returns” y creador de la serie “House” recibirá el galardón por su visión innovadora a la hora de abordar las adaptaciones cinematográficas de los superhéroes del cómic, así como por indagar con precisión y brillantez en los mecanismos de la maldad, algo que ya demostró en su ópera prima “Public Access” (que personalmente presentó en Sitges 1993) o en filmes como “Sospechosos habituales” y “Verano de corrupción”.

Atención. El maestro Singer impartirá una masterclass el miércoles 12 de octubre a las 17h en la Sala Tramuntana – Sitges Forum y a continuación firmará autógrafos a los fans. El director de la muestra, Ángel Sala, nos trae a todo un prodigio del cine de suspense. En estos momentos ultima una película de aventuras fantásticas, “Jack the Giant Killer” y prepara una adaptación al cine de la serie “Battlestar Galactica”.

Desde NIDO DE CUERVOS, os avisaremos en primicia de las próximas estrellas que se confirmen para Sitges 2011. Solo queda recomendar que cuando vean al señor Sala le den un fuerte abrazo de agradecimiento. Se lo merece.