Crítica: 13 Sins

Los pecados son inevitables. El ser humano peca porque es su destino, porque los ángeles cayeron con un propósito y porque a los monstruos les gusta mucho mas caminar entre los vivos, que entre los muertos. La voluntad es lo que diferencia la maldad de lo inevitable, y es sobre la voluntad realmente, y no sobre los pecados en sí, sobre lo que versa "13 Sins". El ser humano, como tal, tiene que aprender a vivir con sus deficiencias y en lugar de hacer acto de contrición cada vez que peca, procurar que la voluntad no sucumba a la necesidad, porque el resultado siempre, siempre es el arrepentimiento. 

"Phantasm V: Ravager", cuidad bien de vuestros muertos

Es evidente (sino no estaríamos aquí), que el cine de terror, puede ser y es, en muchas ocasiones, una fuente inagotable de satisfacciones. Y si tenemos que hablar de gente que está capacitada para tal cosa, satisfacer al aficionado al género, tenemos que hacerlo de Don Coscarelli, quien hace dos años ya nos regaló la que posiblemente sea una de las mejores películas que haya dado el fantástico en muchos años: “John Dies At The End”. 

Pero no nos engañemos, pese a contar en su filmografía con maravillas como la anteriormente citada o “Bubba Ho-Tep”, a Cosacarelli siempre se le valorará por ser el padre de una de las franquicias más míticas e influyentes que jamás haya dado el terror: “Phantasma”, así como por engendrar a una figura celebre del cine de terror como el hombre alto, el profanador de tumbas de otra dimensión inmortalizado por siempre por el gran Angus Scrimm.

Con dos primeras entregas de culto, “Phantasma” (“Phantasm, Don Coscarelli, 1979) y “Phantasma 2: El Regreso” (“Phantasm 2”, Don Coscarelli, 1988), una tercera parte disfrutable, “Phantasma: El Pasaje del Terror” (“Phantasm 3: Lord of the Dead”, Don Coscarelli, 1994) y una cuarta secuela, “Phantasma: Apocalipsis” (“Phantasm 4: Oblivion”, Don Coscarelli, 1998) directa al mercado doméstico y muy por debajo de cualquiera de sus predecesoras, el propio Coscarelli confirmó no hace mucho que trabaja en una quinta entrega y, para sorpresa de todos, ayer vio a la luz el primer teaser trailer de la película, poco después del póster promocional. Hoy lo hace su versión en HD. 

“Phantasm V: Ravager”, es el título de esta esperada (ansiada diría yo) quinta parte de la saga, la cual, volverá a estar protagonizada como no podía ser de otra manera, por Reggie Bannister y el veterano Angus Scrimm, quien volverá a enfundarse una vez más, el traje funerario para interpretar al hombre alto. 

Con algo de escepticismo tras la mediocre anterior entrega pero con toda la ilusión del mundo, desde Nido de Cuervos lo único que podemos hacer es esperar con los dientes largos, muy largos, a que la cinta tenga fecha de estreno y pueda caer en nuestras manos. Por supuesto, os lo contaremos todo al detalle.

Crítica: Jeepers Creepers

El hombre del saco toma nueva forma en “Jeepers Creepers” (2001), un cuento de terror violento, tenebroso y macabro, rendido a los encantos de lo sobrenatural, que se recrea en las normas del género. El film del director y guionista Victor Salva va desde los tétricos relatos sobre “Los mitos de Cthulhu” de Lovecraft, Henry Kuttner o Clark Ashton Smith, hasta la crudeza visual de “La matanza de Texas” (Tobe Hooper, 1974). 

Crítica: Snowpiercer

La capacidad autodestructiva del ser humano, no tiene límites. Fumamos, bebemos, nos drogamos, destrozamos nuestro hábitat, generamos guerras, creamos enfermedades, nos arrodillamos ante una cruz, votamos al PP... sin duda alguna, somos la criatura más estúpida de toda la creación. El apocalipsis lo sabe y siempre está ahí, acechándonos como el cazador acecha a su presa, escondido entre los matorrales, apuntándonos con sendos objetivos que escupen sus ojos y tatuando una diana sobre la piel del inocente cervatillo, sobre nuestra propia piel, la misma que frotamos en un intento desesperado por calentarnos cuando el gélido tacto de la culpa y el arrepentimiento, nos hiela la sangre por dentro. Somos mezquinos, unos más que otros, y el fin del mundo, está a la orden del día.

Joon-ho Bong lo sabe bien, el coreano ya lo relató, su apocalipsis particular, hace ocho años en la bombástica “The Host” (“Gwoemul”, Joon-hoo Bong, 2006) en un sentido homenaje al cine asiático catastrofista de monstruos y vuelve a insistir en cortar  las cuerdas del destino con “Snowpiercer”, adaptación cinematográfica de la novela gráfica “Le Transperceneige” de los franceses Jean-Marc Rochette Y Jacques Loeb, co-producción entre Corea del Sur y los EEUU en la que el cineasta, vuelve a hacer hincapié en la nociva naturaleza del ser humano, quien en un intento desesperado de solucionar el problema del calentamiento global, generado por él mismo, expone el planeta a un gas experimental que termina por congelarlo todo y terminar con toda la vida sobre la faz de la tierra. Los últimos supervivientes, son aquellos que consiguen billete para un tren que jamás llega a destino, pues paradójicamente, lo que pretende es alejarse de él. 

El propio Bong co-escribe el guión junto a Kelly Masterson (conocido por guionizar la exitosa “Antes que el diablo sepa que has muerto” (“Before the Devil Knows You´re Dead”, Sidney Lumet, 2007)), la banda sonora corre a cargo del gran Marco Beltrami y en el reparto encontramos nombres tan ilustres como los de John Hurt, Ed Harris, Jamie Bell o Chris Evans, por lo que es bastante evidente que las pretensiones de la cinta, no son moco de pavo precisamente, si bien es cierto que la última sensación que uno tiene finalizado el visionado, es la de haber visto una gran superproducción, pues en este sentido, “Snowpiercer” se aleja bastante de lo que fuera “The Host”. 

No hacen falta excesivos minutos de metraje para darse cuenta de que detrás del marco post-apocaliptico, lo que propone “Snowpiercer”, no es otra cosa que una dura crítica al clasismo. Éste, está representado de forma muy gráfica en el interior del tren, en el cual, los estratos más bajos de la sociedad, viven apelotonados y en condiciones infrahumanas en la cola del vehículo, mientras que los ricos, viven como reyes en la cabeza. La fábula se inicia cuando los viajeros de la cola, deciden revelarse y avanzar hacia una vida mejor en una clara metáfora sobre el capitalismo. 

El relato transcurre a medio camino entre el thriller y el cine de acción, todo ello dentro de una estética que evoca a cientos de reminiscencias clásicas dentro del género de la ciencia ficción y el cine apocaliptico, la más evidente quizás, “Mad Max”, en todo lo que refiere al vestuario y a determinadas secciones del tren, muy al estilo de lo visto en “Mad Max: Más Allá de la Cúpula del Trueno” (“Mad Max Beyond Thunderdome”, George Miller/George Ogilvie, 1985), si bien a nivel narrativo y de construcción de personajes, también podemos encontrar claras referencias a obras como “Delicatessen” (“Delicatessen”, Marc Caro, Jean-Pierre Jeunet, 1991) e incluso a “Gangs of New York” (“Gangs of New York”, Martin Scorsese”, 2002), título al que Bong rinde particular homenaje en una de las secuencias más impactantes del film. 

Con una estupenda puesta en escena, una premisa argumental de lo más interesante y un elenco de actores de primer nivel, encabezados por un sólido Chris Evans que continua luchando por los más desfavorecidos, aunque en esta ocasión, sin la máscara azul y las barras y estrellas, las vías del tren sobre las que transita “Snowpiercer”, solo podían llevarnos al mejor de los destinos, pero en todo viaje, hay baches, y el que nos propone Bong, no es una excepción. El más palpable seguramente, su excesiva duración, mal endémico habitual del cine asiático que aquí se hace patente transcurrida la primera hora de metraje, después de la cual, tanto historia como narración se estancan y pierden la fuerza y la frescura que ha caracterizado a la obra hasta ese instante, traduciéndose en una espectacular caída de ritmo de la cual, no se recuperará ya hasta su, eso si, sorprendente tramo final, en el cual un interesante volantazo final, consigue rescatarnos del tedio en el que nos ha sumido el divagante libreto precedente. 

Dicho giro final, pese a dejar alguna que otra puntada sin hilo, es en si mismo y a nivel conceptual, totalmente satisfactorio, así como la certeza de que “Snowpiercer” es algo más que una crítica social envuelta en un preciosista ejercicio de violencia gráfica. Eso si, el espectador tendrá que aprender a lidiar con el extravagante sentido del humor negro que le acompañará a lo largo de todo el trayecto, encarnado en toda una galería de grotescos personajes (atención a la punta que consiguen sacarle a sus ídems gente como Kang-ho Song o una histriónica Tilda Swinton) que no darán tregua hasta el último minuto de metraje. 

Pese a sus altibajos, “Snowpierce” se presenta como una de las propuestas más interesantes y personales de lo que llevamos de año cinematográfico. Muy recomendable. 

Lo mejor: Su puesta en escena, en especial, la fotografía. La efectiva simbiosis entre la decadencia propia del relato y su ácido sentido del humor y la genialidad del guión en determinados pasajes. 

Lo peor: La decepcionante caída de ritmo de su segunda mitad.

Crítica: Haunt

Hace poco nos recordaba MissTerror esa característica implícita en las familias americanas de mudarse a casas claramente encantadas que a mí me ha regalado momentazos pero que en general, hay que reconocerlo, es para darles una pedrada en la cabeza. 

Crítica: Assassination Of A High School President

Tres años después de que la magnífica Brick de Rian Johnson mezclara el cocktail perfecto entre película de instituto y cine negro, llega Assassination of a High School President, una apuesta un poco más mainstream pero menos interesante que la primera. Retorcida pero un cuento cómico pasado por agua, AOAHSP (ojito, llamémosle Assassination para acortar), sigue a un aspirante a periodista que descubre una red de intriga (quizá no muy intrigante) en el cuerpo escolar, intriga que incluye sexo, drogas, ladrones de exámenes y francotiradores de pistolas de pintura. Los fan de Mischa Barton (OC) estarán encantados ante la perspectiva de verla representar a otra chica guapa de campus, pero más allá de los negocios de juventud dispersa, es difícil que esta cinta pase de un aprobado rascado. 

Crítica: La Residencia

Siempre se ha hablado que “La marca del hombre lobo”(1968) de Enrique López Eguiluz marca el pistoletazo de salida de una fuerte producción de cine de terror en España debido al enorme éxito de ésta pero incentivado por otro mayor éxito de terror nacional que fue “La Residencia” (1969). 

Crítica: Here Comes The Devil

Me reconozco fan devoto (y en cierto modo, envidioso) del inmenso talento como creador de Adrián García Bogliano. Igual, exactamente, me pasa con Jaume Collet Serra. Ambos tienen en su haber un puñado de películas de terror absolutamente personales e irreprochables en muchos aspectos y superando por poco la treintena se pueden considerar, de sobra, jóvenes promesas (en su aspecto ya cumplidas, pero bueno). Ahí va el diablo parece rodada con un puñado de euros, pero hasta el último céntimo está tan, tan bien aprovechado, que la imagen de película barata no hace sino engrandecer la cinta. Una cinta plagada de referentes inteligentes (y hasta intelectuales) al cine de los grandes, al cine de una época, los años 70 y 80, en los que los recursos no hacían sino agudizar el ingenio y ahondar en las historias para tener algo que contar, como en aquellas clásicas películas baratas grindhouse.

Lo que nos cuenta Ahí viene el diablo es lo siguiente: Una familia económicamente desahogada-las diferencias económicas en México son como empiezan a serlo en España, brutales-pasa unos días de vacaciones en las afueras de Tijuana. El mismo día de regreso, paran para echar gasolina y con el calor que llama a la siesta los padres, Félix y Sol (inmensos actores, en especial ella, Laura Caro, un prodigio) deciden dejar a sus dos hijos, Adolfo y Sara, jugar una hora en un monte cercano mientras “festejan” esa siestecilla en el coche esperándoles. Pero los niños no vuelven a la hora señalada. Ni a la siguiente. Han desaparecido y los padres, angustiados acuden a la policía y pasan la noche en un motel cercano. Al día siguiente aparecen, aparentemente ilesos y sin daño alguno y la vida de la familia se reactiva. Vuelven a casa, a sus trabajos, al colegio, a las comidas familiares y la tele encendida. Pero algo ha pasado en el tiempo que los niños estuvieron perdidos. Ambos comienzan a refugiarse en su propio mundo, del que excluyen hasta a los padres, en una relación que el director nos deja intuir hasta incestuosa. La madre, inmensa, empieza a sospechar y a notarlo. Todo apunta a que un marginal extraño con antecedentes de pederasta ha abusado de ellos, por lo que los padres se toman la venganza por su mano, pero la cosa, desgraciadamente para todos no acaba ahí. 

La historia, deudora en tono del mismísimo Haneke, se torna de golpe paranormal, da un giro radical alejada de esas subidas de volumen y esos sustos facilones del cine de los últimos años, y exprime al máximo las espectativas de una audiencia exigente. Ya era siniestra y retorcida antes de ese giro y lo sigue siendo, pero en un tono diferente, un tono ahora heredero de grandes películas como Secuestradores de cuerpos, como ¿Quién puede matar a un niño?, de grandes creadores desde Fulci hasta Hitchcock, desde Peter Weir a Roman Polanski. 

Y alguien que logra esto sin amaneramiento, sin aspavientos ridículos, de la forma natural con que toma las riendas de ese nuevo terror, no puede ser definido de distinta manera que de GENIO. Descubrí al director en su periplo argentino, donde rodó una serie de películas casi nihilistas que afrontaban el terror como algo consustancial al ser humano. "Habitación para turistas", rodada en blanco y negro con cuatro duros mutaba del terror psicológico al torture porn en un pispás y salía bien airoso. Luego vinieron “36 pasos”, “Sudor frío” y “No moriré sola”. Y definitivamente descubrí “Penumbra”, otro simpático acercamiento argentino al terror que abarcaba demasiado contándonos cómo Cristina Brondo-fabulosa- una española racista, clasista y con una moral bastante relajada acude a una cita para alquilar su apartamento y reunía en ochenta metros cuadrados a una secta adventista sin quererlo. 

Pero vuelvo a “Here comes the devil”, esta vez ya otra producción de México y su esfuerzo más convincente y desgarrador hasta el momento. Estrenada en el Festival de Bruselas, etiquetada ya como “cine de autor” la cinta logró descubrir a gran parte del mundo el talento del autor nacido en Madrid y afincado en México en la actualidad. Diferente por completo de sus antecesoras, la cinta se recrea a la hora de describir a los personajes, de construir una atmósfera opresiva y siniestra que acaba siendo impagable. 

El ritmo lento y siniestro con el que el director nos relata el día a día de la familia, así como los perfiles perfectamente detallados de todos los personajes son las principales cartas con las que Bogliano construye su inteligente, inquietante y fascinante thriller, dominando magistralmente la tensión constante y abocando a su propia historia a un final absolutamente perfecto que ahora comentaré. 

A todo lo anterior se suman unas interpretaciones redondas de todo el elenco, unas localizaciones perfectas, de apariencia tranquila y normal, pero que el director “siniestraliza” con unos temblores de tierra idealizados y sublimes, grabando mayoritariuamente de día, lo que viene siendo habitual en algunas de sus películas pero que no deja de chocarnos, ya que asociamos hereditariamente el terror a la noche. 

Y el resultado es una buena muestra de la buenísima salud de la que goza el terror en latinoamérica, y en concreto del mexicano, que cuenta en sus filas con potentes bestias creadoras como Jorge Michel Grau, capaz de ubicar un terror caníbal en D.F. En su espectacular “Somos lo que hay”. Bogliano, al igual que Grau, renuncia al terror clásico del país y utiliza fórmulas innovadoras, actuales y estilística y visualmente muy potentes, aprovechando a la perfección los entornos urbanos con un presupuesto ridículo y un talento a todas luces impresionante. 

En el caso de Bogliano, mejor si cabe, y en la peli que nos ocupa, la magnífica atmósfera de apretada tensión creada en sólo unos minutos se dosifica y desarrolla a un ritmo nada arrebatado, más bien al contrario, pausado, recreándose en lo que realmente está sucediendo y lo que los personajes perciben. En su excelente narración el director nos hace así partícipes, cómplices suyos, al ir un paso por delante de la historia, pero sin evitarnos ni un ápice del suspense y el horror finales. 

La construcción de sonido roza la excelencia también, y en este aspecto, gran parte del cine actual podría tomar lecciones de Bogliano, que nunca trata de asustar al espectador con apabullantes efectos de sonido a todo volumen. En cambio, en esta peli hace un uso de la guitarra acústica y del heavy metal asombroso que a mí, personalmente me ha llegado al alma. 

En definitiva, siempre valoro que un cineasta curtido e inteligente respete la inteligencia de la audiencia como para permitir que podamos completar por nosotros mismos los puzzles que nos deja a medio terminar, dándonos todas las piezas a lo largo del film. Y eso es lo que Bogliano hace en su peli, con escenas a priori innecesarias-como un inicio que relata un encuentro sexual entre dos chavalas, o los constantes enfoques con zoom a la cueva oscura-construye un peliculón que será diferente según quién sea el que lo vea. 

En mi caso, es una joya, con fallos perdonables, que bien merece un visionado o dos. En el de ustedes, igualmente no lo es tánto. Quién sabe. Esa es la magia del cine en general y en especial de terror que desde aquí vuelvo a reivindicar. ¿Cuándo han visto ustedes una campaña publicitaria tan exagerada como la de la aburrida “8 apellidos vascos” en una película de género española?... Nunca. Ni siquiera el genio de Balagueró y su REC 4 probablemente la tenga. Y eso, señores, es indignante. Entiendo que no todo cine puede gustar a todos. Pero imagínense, por poner un ejemplo, que a ninguno de nosotros nos gustase la comedia cañí basada en el chiste fácil y que hace burla del sentimiento patrio de una comunidad autónoma... La publicidad de alguna película podría dañar seriamente nuestros sentimientos... 

Lo mejor: Su esencia. El ataque al pedófilo, en plan extremo total, una genialidad. La palpable sexualidad de algunos momentos. El descenso a temas ya conocidos de antemano dando vueltas a una esforzada tuerca subvertiendo los dictámenes del cine de género a su antojo. Pero con diferencia, lo mejor de la cinta es el guiño final, el recurso de sus últimos veinte segundos, que no entenderán hasta que la vean y que explica TODO lo que sucede de la manera más simple, cuando el nuevo Félix comienza a conducir, mal. De aplauso de veinte minutos, sin duda. 

Lo peor: Que no llegue a nuestras carteleras precedida de esa publicidad grandilocuente y casi constante que las televisiones de este país otorgan a productos de muy dudosa calidad. 

Recomendable por completo. Bogliano de nuevo, en su último acercamiento al cine, hace de esta peli no ya una sorpresa, sino una obligación, y juega sus bazas hasta el final en un guiño cómplice que hace que no echemos de menos ni un euro, ni un susto, ni un CGI. Brillante.

Crítica: Knights Of Badassdom

“Knights of Badassdom”, la nueva película (segunda y cuarto de hecho, después de dirigir “Km.666: Camino Sangriento” y uno de los segmentos de la antología de terror/comedia “Chillerama”) del Neoyorkino Joe Lynch, es un homenaje en toda regla a una generación, a aquella que creció al afilado son de una guitarra eléctrica en forma de hacha y que se arropaba cada noche con una colcha estampada con dragones o cualquier otra criatura autóctona de la fauna fantástica. Heavy metal y juegos de rol, son los elementos principales que dan forma a esta esperada (anunciada desde tiempos inmemorables) comedia de terror de tintes épicos que nos llega, curiosamente, desde las santas tierras de Israel. 

Crítica: Stitch

Ohhhhhhhhhhhhh yeahhhhhhhhhhhh!!! Edwaaaaaaaardddddddd Fuuuuuulong is in the house!!! 

Si Edward Furlong aparece, donde quiera que este señor quiera aparecer, no dudéis, ni por un instante, que Missterror anda cerca. Hay algo tan magnético y tan cierto en la ecuación Edward Furlong-terror, que es imposible pasarlo por alto. Furlong es al terror, lo que el dolor es a la herida, algo inevitable, crudo, duro, irremediable, visceral, terrible. Él es terror en sí mismo. No hay mejor bosque en el que acampar, que cualquier trabajo de Edward Furlong, porque él es valentía, descenso a los infiernos y mirada perdida, él es aquel que va más allá de la serie B en el terror. Me atrevería a decir que él guarda las llaves de todas las puertas de los submundos del terror y sus subproductos, pues sólo alguien que se ha prestado a interpretar al Cuervo mexicano en la cuarta parte de "The Crow", es lo suficientemente gallardo (algunos dirían incluso bizarro) para aceptar protagonizar cosas como "Stitch", porque las cosas como son, "Stitch" es una de las basuras mas grandes que vais a ver en décadas. 

Crítica: Cheap Thrills

Uno de los grandes beneficios de un festival como el de Sitges es poder ver películas que tal vez no vuelvas a ver, porque no salgan en los cines de tu país ni en formato doméstico. Tal vez “Cheap Thrills” (2013) sea uno de esos films que recordaré con cariño o tal vez haya suerte y lo veamos en las salas de cine de España muy pronto o muy tarde. Esperemos que la compren y la distribuyan porque realmente ha sido una de las grandes sorpresas de Sitges 2013. 

Opera prima del guionista E.L. Katz, “Cheap Thrills” nos adentra en la pesadilla que vive Craig (Pat Healy), un padre de familia en paro en plena crisis económica, con muchas facturas que pagar y un inminente desahucio de su apartamento Su esposa tampoco tiene trabajo y hay un niño que alimentar por lo que la situación es bastante triste y cercana. En un esfuerzo por ahogar sus penas, Craig se dirige a un bar para encontrarse con su viejo amigo de secundaria Vince (Ethan Embry), al que no ha visto en mucho tiempo y que también lo está pasando mal en la vida. 

Después de ponerse al día de sus cosas y de recordar los viejos tiempos, unos desconocidos, Colin (David Koechner) y Violet (Sara Paxton), les proponen un trato: les darán cierta cantidad de dinero si van cumpliendo una serie de acciones, a cada cual más extraña y violenta. Colin quiere celebrar el cumpleaños de Violet divirtiéndose a costa de los dos infelices. Al principio son pequeños desafíos (un sorbo rápido de tequila aquí, conseguir una chica del bar para que luego te abofetee allí), por el que obtienen algo de dinero en efectivo. Pero las cosas irán subiendo de nivel rápidamente. Colin y Violet llevan la fiesta a su casa y antes de darse cuenta los dos amigos están dentro de un juego que terminará en delirio. 

Craig no dejará escapar la oportunidad de resolver todos sus problemas financieros en una sola noche. La pregunta que el espectador se formula a lo largo del film es: ¿Hasta dónde está dispuesto a llegar por dinero? 

Los guionistas Trent Haaga y David Chirchirillo han dotado a la película de un sentido tan lleno de matices que vale cada céntimo pagado por la entrada. Es entretenida, divertida y desagradable. Nunca deja de dar lecciones en cualquier tipo de tema de conversación política o sociológica. No da explicaciones de más ni se permite torpezas. Nos pone en una situación realmente interesante: ¿Qué precio tienes? Si te dieran 50 euros o dólares por tomarte un trago de tequila de golpe ¿Lo harías? Y si fueran 500.000 por cortarte un dedo. Si estuvieras en una situación difícil económicamente hablando ¿Harías ciertas cosas por obtener a cambio una suma de dinero? No respondáis sin pensar. 

Es como ver uno de esos programas de televisión donde uno recibe dinero y otros se deleitan en la vergüenza y el sufrimiento de los demás. “Cheap Thrills” es un viaje a la reflexión de dos amigos que están dispuestos a poner todo por su parte, incluso enfrentarse entre sí, con el fin de obtener dinero de dos jugadores que se ofrecen a pagar tanto por humillar como por diversión. Y justo cuando crees que lo has visto todo, “Cheap Thrills” aumenta las expectativas una y otra vez, creando una tensión palpable que hierve a fuego lento. 

El público del Auditori comenzó con aplausos y risas, pero a medida que avanzaba la historia todo quedaba en un frío silencio. Estábamos viendo nuestras propias miserias. Cuando aplaudíamos algunas pruebas, como cagarse en la casa de los vecinos, nos poníamos inconscientemente del lado de Colin y Violet, que se divertían a costa de unos desgraciados. Sin embargo, a medida que veíamos la dolorosa situación en la que se ponen Craig y Vince, nos veíamos reflejados en ellos. Más aún con la crisis económica que estamos sufriendo. La película no es una comedia, de eso uno está seguro cuando llega a su impactante resolución final. 

La columna vertebral de todo el film son las actuaciones del reparto, especialmente Koechner y Paxton, los supuestos villanos que en realidad no lo son porque solo son dos tipos que ponen retos y pagan al contado. Paxton está muy bien encarnando a una esposa trofeo aburrida de la vida. Quien haya seguido la carrera de esta joven actriz se sorprenderá. 

Koechner, por su lado, esta magistral y disfrutamos cada momento de humor brillante que protagoniza. Ambos actores están excelentes mostrando poco a poco las intenciones de sus personajes. 

Healy y Embry, por su parte, tienen una química instantánea entre sí, por lo que su profunda y leal amistad es bastante convincente. Ambos protagonizan algunos retos realmente repugnantes y sangrientos sin desentonar. Todo está ahí por una razón y si bien es asqueroso y violento también está planteado muy bien tanto a nivel de crítica social como a nivel de comedia negra. Las situaciones y el dinero da de qué hablar en cuanto a dónde uno desea trazar la línea para hacer dinero rápido, y más en la situación económica de crisis que padecemos en donde el sistema de clases que separa a los ricos (el matrimonio de Colin y Violeta) de los pobres (Craig y Vince) es cada vez más amplio. 

“Cheap Thrills” es todo lo que se puede esperar de un buen thriller satírico y más. También es un notable debut como director de Katz, quien ofrece al espectador una historia constantemente sorprendente, impactante y visceral con momentos inesperados de violencia. En definitiva, una película a recomendar, aplaudir y premiar.

"Bind", de viejas demacradas y casas encantadas

Si hay que hacer caso del cine de terror (especialmente del norte americano), mudarse de domicilio es una de las actividades potenciales más peligrosas que pueden llevarse a cabo. El ya mítico cartel de “For sale”, que suele encontrarse delante de esa en apariencia majestuosa casa de ensueño de dos plantas a precio de saldo en un idílico barrio de una tranquila localidad de la tierra de las oportunidades, debería ser suficiente aviso para que la típica familia yanqui desestructurada de manual, pusiera pies en polvorosa y regresara a la gran ciudad de la que ha venido. 

El colmo de la temeridad, es no ya adquirir una vieja casa en la que seguramente, han sucedido terribles crímenes en el pasado, sino meter a tu familia en lo que antaño fue un orfanato, ahora abandonado. Pues esto, es lo que hacen los protagonistas de “Bind”, nuevo terror de casas embrujadas que nos trae un tándem, el compuesto por el debutante Dan Walton (quien previamente había producido la prescindible “Gutterballs” del no menos prescindible Ryan Nicholson) y Dan Zachary en una cinta que vuelve a abordar un subgénero de capa caida, el de casas encantadas, que suele poblar de mediocridades las carteleras de las salas de cine de nuestro país, véanse títulos como la soporífera “Sinister” (Scott Derrickson, 2012) o la sobrevalorada “Expediente Warren” (“The Conjuring, James Wong, 2013), por poner dos ejemplos populares. 

Tras el bochornoso intento por parte de J.A Bayona de copiar la fórmula yanqui en “El Orfanato” y con claras reminiscencias (amén de las primeras imágenes promocionales) a aquella gamberra serie B que nos regaló maese Kirkman de título “Buried Alive”, Walton & Zachary intentarán demostrar que un orfanato, puede ser tan o más terrorífico, que el más oscuro de los caserones. Sino, pegadle un vistazo al sugerente trailer de adelanto.

Crítica: In Fear

Tom y Lucy llevan dos semanas saliendo, y él, que es un monillo, decide invitarla a pasar un finde loco en un macrofestival de música (será folk, porque estamos por Irlanda), pero antes, reserva una noche romántica en un hotel de esos que tán buena pinta tienen en trivago y booking pero que acaban siendo una auténtica decepción. Vale, en este caso es peor, porque para llegar al hotel, perdido en medio de un denso y recóndito bosque, se ven atrapados en un laberinto de remotas y abandonadas carreteras secundarias cuyas indicaciones les hacen dar una y mil vueltas llegando siempre al mismo punto. 

Crítica: Lizzie Borden Took An Ax

Conocí la historia de Lizzie Borden como buen freaky a raíz de ver la tragedia de Lázaro y Leonor en ese buen intento-aunque fallido- de José Luis Alemán en La herencia Valdemar por adaptar el universo Lovecraft y en donde aparece un círculo de espiritistas reunidos en casa del visionario fotógrafo preclaro al que acude entre otras una de las asesinas que han marcado historia negra en los USA, Lizzie Borden, junto a otra de esas asesinas de reconocida maldad y crueldad, Bella Gunnes, la auténtica “viuda negra”. 

Crítica: Afflicted

La ópera prima de Derek Lee y Clif Prowse, “Afflicted” (2013), está protagonizada por... Derek Lee y Clif Prowse. Por supuesto, los protagonistas principales son dos amigos llamados Derek y Clif. Hay muchas maneras de economizar en una película, pero ésta me parece muy original. El guión, escrito como no podía ser de otra manera por Derek y Clif, narra una escapada de los dos amigos, un viaje a lo carpe diem por Europa. Su primera parada: Barcelona-Spain. El público del cine Retiro de Sitges aplaude con fuerza.

En su viaje está Clif filmando toda la aventura imitando el género found footage (metraje encontrado). Así pues, la imagen se nos presenta con el formato típico de este género con garabatos en pantalla, plano subjetivo o cámara en mano en constante movimiento y recursos por el estilo. Pero como bien digo es una imitación. En esta edición de Sitges 2013 se han presentado muchas propuestas de found footage y casi todas ellas imitaban el estilo con el fin de que el film aparentara realismo y a la vez fuera más cinematográfico y comercial.

El viaje se complica en su paso por Francia, cuando Derek se ve afectado por una extraña enfermedad después de un encuentro con una parisina sexy. Dada su estructura neo-epistolar, la película es una extensión lógica de la historia de vampiros original, “Drácula de Bram Stoker”, con Internet (e-mail, redes sociales y el blog de viaje de los amigos) como la nueva forma de escritura de cartas. A través de este medio asistiremos a todo un espectáculo: la metamorfosis de Derek en un ser monstruoso sediento de sangre humana. De ahí, la naturaleza de los acontecimientos: una mujer cuya belleza atrae a los hombres como la sangre a las pirañas; una mujer extranjera, europea, venida del viejo continente donde tiene origen el ser en que se está convirtiendo Derek.

Para dar piernas a la premisa, los directores introducen la preocupación de familiares, concretamente del hermano de Derek, quienes siguen las andanzas de los amigos por el blog de viaje que sirve como un documental de aficionados para que el espectador pueda seguir atento a la situación anormal que está pasando.

Lee y Prowse realizan un trabajo de terror a fuego lento, dando mucho tiempo al espectador para que se acomode en el mundo personal de “Afflicted”. La transformación de Derek en sanguijuela se maneja con paciencia y moderación. Somos testigos de los efectos secundarios de la nueva condición de Derek en pequeñas dosis. Al principio, la situación se pone muy tensa, con Derek que no come en absoluto y no consigue conciliar el sueño durante días. Pero una vez que se recupera, se encuentra que tiene algunos beneficios siendo una amenaza para sí mismo y para los que le rodean.

Entonces es cuando vemos el gran trabajo de FX del film, por el que ha sido premiado en el Festival de Cine de Sitges. Planos increíbles de Derek subiendo por edificios, corriendo por callejuelas y realizando saltos mortales. Todo ello lo vemos a través de la cámara de Clif y de la que lleva Derek pegada al pecho con un chaleco. Es como estar en un videojuego. Esta sensación sería aún más impactante si viéramos la película en 3D. Es una montaña rusa de la que uno no quiere bajarse. Lo que han hecho estos amigos de la infancia es alucinante.

También hay muchos momentos de humor. Al principio vemos fotos y videos reales de los amigos en su etapa estudiantil haciendo chiquilladas y pelis amateurs, que se nos presentan como parte de la historia de los personajes del film. Después de que Derek comience a adquirir sus “poderes”, Clif filma algunas pruebas de hasta donde es capaz su amigo. Primero pone a prueba su fuerza y luego su velocidad.

Con toda sinceridad “Afflicted” no consigue crear ningún temor real. Hay momentos de cierta tensión en el piso de los amigos y cuando Derek intenta alimentarse, pero su punto fuerte son los efectos especiales y la química de los protagonistas.

LO MEJOR: Las imágenes en el formato del género de metraje encontrado están muy logradas. Merecido premio a los mejores efectos especiales en Sitges 2013.

Crítica: Sharktopus

Estoy enferma y no tengo nada mejor que hacer con mi tiempo, así que… Let's rock. No es que contenga espoilers, es que voy a narrar la película para que no tengáis que verla vosotros. 

17:00 – Madre mía del Amor Hermoso. Sharktopus tiene su propia canción. Una especie de canción rock-surf, muy rara. "Sharktopus won't be kept at bay, and you can never ever ever ever get away." Creo que estoy enamorada. 

Artículo: 50 Mujeres en el Espacio: Las astroheroinas más buenorras del cine. Parte I

El 20 de julio de 1969 el Hombre (en los piés de Armstrong y Aldrin) llegó a la Luna desde el módulo “Águila” en la misión del Apollo XI. O si llevan razón los conspiranóicos, al menos eso es lo que nos hizo ver la tele americana. La tele. Décadas atrás el hombre no sólo había colonizado en ella la Luna, sino todo nuestro Sistema Solar y otros cuantos, en películas baratas, entretenidas, en un radiante blanco y negro primero y un chillón color anaranjado después, con un aprovechamiento de sus escuálidos recursos a todas luces fabuloso. 

El hombre, el macho terrestre, el género masculino de nuestra especie viajó allende los planetas, ¿pero qué fué de las mujeres de esa época?. Normalmente, y como reflejo de la sociedad que filmaba, tenía únicamente dos opciones: a) ser la esposa aguardante, emotiva y fiel del astronauta de turno, o b) era la tía buena casquivana y galáctica, muchísimo más entretenidas que las primeras e incluso que sus propios maridos. 

Valga pues, esta recopilación de mis 50 mujeronas galácticas, terrestres y extraterrestres preferidas, como un recuerdo a una época en la que los que se atrevieron a hacer esas películas no eran conscientes de lo imposible de sus expectativas. 

Y sí, para no pecar en ningún momento de sexista, lo próximo por venir serán mis 50 maromos de las galaxias... 

Cohete K-1 (EE.UU. 1950 Kurt Newmann): El Cohete K-1 despega en su primera misión a la Luna, llevando a bordo al Dr. Karl Eckstrom, a la bella matemática Lisa Van Horn, al coronel Floyd Graham, al navegador Harry Chamberlin y al ingeniero de vuelo Bill Corrigan. Durante el vuelo una lluvia de meteoritos los desvía de su trayectoria y la tripulación pierde el conocimiento. Al despertar se encuentran vagando por el espacio sin saber cuánto tiempo han estado inconscientes. Su nave, en lugar de dirigirse hacia la Luna, se está aproximando a Marte. Quizá estas prisas por llegar la primera a las salas de estreno, antes que “Con destino a la Luna”, de Georges Pal, y sin mujeres en su tripulación, expliquen la retahíla de incongruencias y la falta de rigor científico que lastran el film de principio a fin, una pena porque algunas escenas llegan a ser interesantes, y no tiene precio como testimonio del nacimiento de un género que tantísimas joyas iba a engendrar y que en esta página sigue haciendo nuestras delicias... 

Nuestra primera heroína espacial es Osa Massen, quien pretendía ser fotógrafo hasta que la prolífica directora de cine danés Alice O'Fredericks le dio un papel en su película Kidnapped ( 1935). Después de sólo dos películas en Dinamarca , se le dio una prueba de pantalla en los USA por la 20th Century Fox y llegó a Hollywood en 1936. Era una época en la que los grandes estudios, animados por el éxito y el estatus casi mitológico que Greta Garbo estaba logrando en Hollywood, clamaban por encontrar bellezas extranjeras distantes, frías y diferentes y convertirlas en estrellas de la pantalla americana. Osa fue una de las primeras, luego llegaron otras como Anna Sten , Signe Hasso , Sigrid Gurie , Gwili Andre y, por supuesto, Ingrid Bergman. Con Cohete K- 1, absoluto pionero en el thriller de ciencia ficción ultraplanetaria hizo una de sus últimas intervenciones en pantalla grande, como tripulante del cohete destinado a la Luna, pasando a continuación al nuevo medio, la TV, en series como Caravana (1957) y Perry Mason ( 1957 ). Tan misterioso como las mujeres fatales que interpretó , la encantadora Osa hizo una salida Garbo desapareciendo de la escena pública y dedicándose a una vida (bastante movidita) privada lejos de los medios. En esta peli, hace de matemática preciosa, sexy y puritana, como una de las primeras tripulantes de una misión espacial. 

Flight to Mars (EE.UU. 1951 Lesley Selander): Aprovechándose del tirón que tuvo “Con destino a la Luna”” el año anterior, Selander, experto en westerns de serie Z rueda en el 51 una peli regulera que podría servir perfectamente de ejemplo del cine que se hacía y del papel de la mujer en él. Una partida de norteamericanos -la escena se inicia en el Pentágono- prepara un viaje a Marte. Salvo un escritor, los demás son científicos, entre ellos una mujer. Previsiblemente, atraviesan algunos peligros en el espacio estelar, como un reguero de meteoritos que, explica uno de los tripulantes de la nave, se desintegran antes de llegar a la Tierra. Después se produce el marcianizaje que, curiosamente, está bajo un período nevoso. Los marcianos les dan la bienvenida, destacando una escultural Marguerite Chapman, como la marciana amorosa Pero no corresponde abundar en detalles. En cuanto al film, un ritmo más o menos tolerable, no es un bodrio aunque tampoco una locura, se puede ver. Ayudan la escenografía, ligeramente imperfecta aunque bastante atrayente, como los trajes marcianos y la nave espacial, de color plateado y bien construida. Como sucede en otros films de aquél tiempo, mujeres con vestidos ajustados con hiperminifalda, tacos altos y peinados del año cincuenta. 

Por otra parte, el argumento es simple, no muy complejo, sin complicaciones de historias laterales. Es una película para ver con cierto tono evocativo, por la símpatía que puede tener un film de ciencia ficción con elementos de otra época que quieren pasar por modernosos por su diseño, hoy ampliamente superados. Yo creo que ése es el mayor interés que puede despertar. Nacida en Chatham , Nueva York, nuestra actriz Marguerite Chapman trabajaba como operadora de centralita telefónica en White Plains, cuando su apabullante belleza fue descubierta y le granjeó la oportunidad de seguir una carrera como modelo hasta que firmó para la prestigiosa agencia de modelos John Robert Powers Agency, que la puso en contacto con la 20th Century Fox en Hollywood. Películas como “La tentación vive arriba” o “La promesa verde” le dieron de comer como secundaria y la convirtieron en un personaje conocido y querido por el público, con la que se contó para participar en innumerables colaboraciones televisivas. Como anécdota, Chapman fue seleccionada inicialmente para desempeñar el papel de "Rose anciana" por James Cameron para su épica Titanic pero la mala salud le impidió aceptar la oferta. Aún así, nuestra Chapman tiene, por su contribución a la industria cinematográfica, su propia estrella en el Hollywood Walk of Fame en el 6290 de Hollywood Boulevard. 

Abbott y Costello van a Marte (EE.UU. 1953 Charles Lamont): Los peculiares y celebérrimos por aquel entonces personajes de Lester y Orville lanzan en esta producción de Universal International Pictures un cohete de forma accidental destinado a Marte pero, en vez de parar allí, llegan a Nueva Orleans en pleno carnaval del Mardi Gras. Después de la confusión son obligados por el malvado ladrón de bancos Mugsy y su compañero Harry, los contrahéroes, a viajar a Venus, donde encuentran una civilización entera de mujeres, bellas amazonas que no han visto un hombre en cuatro siglos pues fueron desterrados. La peli tuvo bastante éxito y el tándem volvió a repetir hasta cansar. Entre las amazonas destacaba una mujer pequeña y atractiva, Mari Blanchard, actriz poco afortunada, hija de un magnate del petróleo y una psicoterapeuta , que sufrió de poliomielitis severa desde los nueve años, por lo que se le truncó la carrera de baile que pretendía seguir. Durante varios años trabajó duro para rehabilitar sus miembros con deporte y natación e incluso llegó a realizar ejercicios en el trapecio en el circo de los hermanos Cole. Se graduó en Derecho pero en contra de sus padres, se incorporó a la Agencia Conover como modelo de publicidad y , al mismo tiempo, fue promovida por el famoso caricaturista y escritor de Al Capp , convirtiéndose en la inspiración para uno de sus personajes " L'il Abner ". 

Fue descubierta por la Paramount y firmó un contrato, aunque casi siempre acabó haciendo pequeños secundarios sin miga hasta que (junto a Victor Mature) hizo de protagonista en The Veils of Bagdad ( 1953). Después de eso, todo fue cuesta abajo de nuevo. Burt Lancaster, co -productor y estrella con Gary Cooper, de la excelente Veracruz ( 1954 ), había pedido a Mari como su protagonista , pero la Universal negó la libertad de contrato para United Artists y le prohibió a aceptar el papel lucrativo que tantísimo había esperado y deseado y que al final hizo Denise Darcel . En nuestra peli hace de líder-reina bellísima de las venusianas y es con diferencia lo mejor de la cinta, con sus voluptuosas formas y un escote de órdago. Años después, Mari Blanchard enfermó de cáncer y murió en 1970 a la temprana edad de 47 años. 

Cat Women of the Moon (EE.UU. 1953 Arthur Hilton): Una expedición espacial al mando del Comandante Laird Grainger, aterriza sobre la cara oculta de la Luna. La navegante Helen Salinger, interpretada por Marie Windsor, guía la expedición hacia una cueva en la que descubren un mundo habitado por mujeres gato que han eliminado a los hombres de su especie. Las mujeres gato revelan que atrajeron a Helen telepáticamente hacia ellas. Planean robar la nave para regresar a la Tierra y liberar a las mujeres terrícolas del poder masculino. Para ello, deben seducir a los hombres para que estos les enseñen a pilotar la nave. 

La peli empieza en el interior de una nave rumbo a la Luna, en la que vemos a cuatro astronautas y una mujer en un habitáculo espacial de cartón piedra donde experimentan los efectos de la gravedad. Inmediatamente recuperan la normal lucidez mental y movilidad y tras una descacharrante conversación con el centro de mando terrestre propia de La Hora Chanante y su Retrospecter aterrizan en una zona determinada de la luna señalada por la científica y se dirigen a una misteriosa gruta donde logran encontrar O2 y una civilización exclusivamente de mujeres-nos va sonando el tema, eh?- que han usado su telepatía para, desde la luna, atraer a Helen y su tripulación para hacerse con su nave, pirarse todas a la Tierra y dominarla apoderánose de la mente de las terrícolas. 

Serie B pura y dura, corta, divertida a rabiar y fricaza, se rodó para ser exhibida en 3D. En esta cinta efectivamente tenemos una guapísima actriz en un papel menos peleón que los anteriores pero igualmente entrañable, el de Marie Windsor, de verdadero nombre Emily Marie Bertelson, y nació en Marysvale (Utah). Altísima y Miss Utah, estudió teatro bajo las órdenes de Maria Ouspenskaya, y tras varios años trabajando como operadora telefónica, actriz teatral y radiofónica, además de extra en el cine, empezó a actuar en largometrajes en 1947. 

Su primer papel destacado llegó junto a John Garfield en Force of Evil, interpretando a la seductora Edna Tucker. Windsor también tuvo actuaciones de importancia en filmes de cine negro tales como The Sniper, The Narrow Margin, City That Never Sleeps y The Killing, de Stanley Kubrick, en el papel de la intrigante esposa de Elisha Cook Jr.. 

Posteriormente trabajó en la televisión y tras retirarse de la interpretación, se dedicó a la pintura y a la escultura. 

A destacar en la peli, junto a la bellísima Windsor, los descuidados y simpáticos efectos especiales de la época, los dialogos imposibles usando palabros pseudocientíficos, el rollo seductor guarruno de las selenitas y un trío que puede entreverse con Helen y dos miembros de la tripulación. Tela marinera... 

Project: Moonbase (EE.UU 1953 Richard Talmadge): Estamos en el futuro, el año 1970. Los Estados Unidos están construyendo bases en la Luna, y envían para supervisar las tareas a una coronel y dos oficiales. Pero uno de ellos resulta ser un agente de una potencia enemiga, y la operación entera, así como el destino del mundo libre, corren grave riesgo. La coronel Briteis está interpretada por Donna Martell, actriz estadounidense de cine y televisión que comenzó su carrera en el cine en 1947 cuando fue elegida para el western Apache Rose, protagonizada por Roy Rogers y Dale Evans. Continuó haciendo apariciones en toda la década de 1940 gracias a la firma de un contrato con los estudios Universal. En la década de 1950, la carrera de Martell se desplazó hacia los programas, series y películas de televisión hasta que su carrera terminó oficialmente en 1963, pero hizo una breve reaparición en 1983 en la TV movie “Grace Kelly”. Donna Martell sirvió sin duda como inspiración para personajes fuertes femeninos en roles espaciales futuros. Como anécdota, también trabajó con Abbott y Costello ( en A. y C. contra el asesino, de 1949).

This island Earth (EE.UU 1955 J.M.Newmann): También conocida como “Regreso a la Tierra”, es hoy una película de culto que no paso por España. El doctor Meachan (Rex Reason) y otros científicos, como la Doctora Ruth Adams, la hermosa Faith Domergue, son invitados por los habitantes del planeta Metaluna (je,je,je) para que les ayuden a encontrar uranio, un mineral imprescindible para la supervivencia de su planeta. Pero los doctores descubren que el propósito de sus anfitriones no es otro que invadir la Tierra. Sólo Exeter (Jeff Morrow), un científico de Metaluna, parece estar en contra de la invasión que representa en gran parte el terror al desarrollo nuclear y al tema de la lucha espacial de otras potencias en los 50.

La peli es bastante regulera, con un claro y por momentos pesado, mensaje antibelicista, en la que está bastante conseguida la atmósfera espacial en sus escasos escenarios que rozan lo infantil a base de imaginativos y sorprendentes efectos visuales. 

Nuestra heroína es la sensual, curvilínea y morenaza Faith Domergue, que nació en Nueva Orleans, con sangre criolla , pero principalmente de origen irlandés . Fue adoptada cuando tenía seis semanas de edad. Tuvo su primer flirteo con la profesión de actriz cuando aún estaba en la escuela, en el escenario del Teatro Hayden Bienaventuranza. Justo después de su graduación sufrió una lesión que la desfiguró en un accidente de coche y pasó 18 meses sometiéndose a una cirugía plástica intensiva. En 1941 fue redescubierta por un cazatalentos de Warner Brothers, y firmó un contrato simplificando para Hollywood su nombre como “Faith Dorn ". Protagonizó un gran escándalo cuando participó en una fiesta de estudio en la que se mezclaban los ingenuos menores de edad junto a los hombres ricos o influyentes a bordo de la Cruz del Sur, un yate propiedad del multimillonario Howard Hughes. Hughes,21 años mayor que ella, se encoñó rápidamente de la adolescente y compró su contrato de Warner Brothers por $ 50.000 y la contrató para el estudio de su propiedad , RKO Pictures. Su relación continuó hasta 1943, hundida por varias indiscreciones de Hughes con estrellas como Lana Turner , Ava Gardner y Rita Hayworth. Despechada, recuperó su apellido y trabajó en infinidad de películas y después en la tele. Como anécdota destaquemos que después de hacer varias películas en Italia (y casarse por tercera vez , con el director asistente y productor teatral Paolo Cossa en 1966 ) ), retomó el género de terror en “La casa de los Siete Cadáveres” de 1974 , en la que hace de estrella de películas de terror que despierta a los fallecidos después de leer el libro Tibetano de los Muertos. Toma ya!!!. Fanática del fantástico y el terror fue en este género en el que siempre brilló. 

La invasión de los ladrones de cuerpos (EE.UU. 1956 Don Siegel): Ningún género reflejó mejor las tensiones sociales, la paranoia, el miedo y la histeria contenida, de los años cincuenta, fundamentalmente en los USA, que la ciencia ficción. En esta década se consolidan las bases del género, dando al director y creador la posibilidad sin embargo de que bajo esa apariencia de ficción, puedan ocultarse mensajes subliminares dirigidos a una sociedad manipulada por los Poderes del Estado.En esta peli, unos extraterrestres se apoderan de los cuerpos y las mentes de los habitantes de una pequeña población convirtiéndolos en seres obedientes y pasivos. Este planteamiento pronto deriva al thriller de la mano de un fabuloso Siegel, que se basa en un relato de J. Finney guionizado por D. Mainwaring, quien fue despedido de la RKO por sus simpatías políticas en plena “Caza de brujas”. 

La película roza lo perfecto, con una capacidad de avanzar a base de pequeños detalles que muestran el espíritu de una comunidad cerrada rural americana de la época. Siegel muestra primero lo convencional, lo “normal” para introducir el terror en el seno mismo de la familia, el núcleo de cualquier comunidad. Ese terror es velado, sutil y nada estrambótico, y ahí radica precisamente gran parte de lo inmenso de la película. Se nos muestra cómo ninguno estamos a salvo, cualquiera de nosostros, en nuestras familias, en nuestros pueblos está expuesto al mismo, un terror silente y discreto que se adueña de lo más íntimo de una persona y de su propio cuerpo externo. 

El productor de la cinta, W. Wanger, se empeñó en introducir un prólogo y un epílogo que pecan quizás de pacatos, pero que no logran ensombrecer la inmensa y talentosa manera de trabajar del director, que con pocos medios consiguió uno de los mejores thrillers de la historia, con una tensión permanente y un final espeluznante. 

La Novela de Jack Finney ha dado mucho juego al séptimo arte, por eso 22 años después del film de Siegel, Philip Kaufman hizo un brillante remake "La invasión de los ultracuerpos". En el 93, Abel Ferrara realizó otro remake, un poco peor, "Secuestradores de cuerpos", y en 2007 se ha hecho el tecer remake "Invasión", con una Nicole Kidman no para todos los gustos. 

A pesar de todo, me quedo con el clásico, con su capacidad de seducir, enganchar, intrigar y aterrorizar. 

En nuestra peli tenemos una heroína, Dana Wynter, que interpreta a Elizabeth Driscoll, que trabaja para el Departamento de Salud de San Francisco con el protagonista de la película, Matthew Bennell. Comparten una relación platónica y nunca se revela si estuvieron anteriormente implicados emocionalmente más allá. Elizabeth tiene un novio, Jeffrey, una de las primeras personas en ser absorbido por las vainas. Dana, hija de un cirujano nació en Berlín y creció en Inglaterra. Cuando tenía 16 años su padre fue a Marruecos, donde acabaron viviendo. Wynter, más tarde se matriculó como estudiante de pre-medicina en la Universidad de Rodas ( la única chica en una clase de 150 niños) y también hizo sus pinitos en teatro. Después de un año de estudios regresó a Inglaterra y abandonó sus estudios de medicina para labrarse una carrera como actriz. Empezó en una obra de teatro en Hammersmith , cuando un agente estadounidense la fichó como representante. Se fue a Nueva York el 5 de noviembre de 1953,donde tuvo más éxito que en Londres , actuando en cine y en la televisión ( Robert Montgomery Presents (1950) , Suspense ( 1949 ), Studio One ( 1948 ), entre otros ). En Hollywood la preciosa actriz de ojos oscuros, esbelta y cautivadora apareció en más de una docena de películas y trabajó en la televisión en la llamada "Edad de Oro ". Destacan además de en esta gran cinta, sus participaciones en las películas Aeropuerto, Luces de rebeldía y Sangre sobre la tierra. 

Fire Maidens of outer space (EE.UU. 1956 Cy Roth): Peli británica en la que un grupo de astronautas exploran la décimo tercera luna de Júpiter hallando nada más que la supuestamente mítica civilización de la Atlántida, que está compuesta-¿lo adivinan?- únicamente por mujeres que danzan sensuales a los compases de la música de Borodin. Entre tanta belleza extraterrestre destacan a lo bestia, dos de ellas, Susan Shaw como Hestia y Jacqueline Curtis como Duessa. La primera, Susan Shaw tuvo una carrera más prolífica, rubia encantadora, encarnaba el ideal de mujer frágil y de femme fatal a la vez Es madre del actor Mark Colleano que pasó a protagonizar junto a Rock Hudson “Hornet's Nest” como un joven italiano de 14 años de edad. Jacqueline Curtis, por su parte pasó a la historia del Cine por esta peli de 1956, Lady of Vengeance de 1957 y The Camp on Blood Island en el 58. Bellas, atrevidas y con carácter ambas ejemplifican a la heroína extraterrestre de los 50 a la perfección.

Planeta Prohibido (EE.UU. 1956 Fred M.Wilcox): Inspirada en "La tempestad", de William Shakespeare, como otras muchas cintas de diferentes géneros, la peli nos muestra cómo a principios del siglo 23, el Crucero de los Planetas Unidos C-57D es enviado al planeta Altair IV para saber qué ocurrió con una expedición enviada 20 años antes. El Comandante John J. Adams (Leslie Nielsen) contacta al Dr. Edward Morbius (Walter Pidgeon), filólogo, quien le advierte que se mantenga alejado, pero se niega a dar una razón. Al aterrizar, la tripulación conoce a Robby el robot, que les lleva a la casa de Morbius, que explica que un año después de la llegada de la expedición, alguna fuerza desconocida hizo desaparecer a casi todos los de la expedición y vaporizó su nave cuando los últimos supervivientes trataron de escapar. Sólo él, su esposa (que más tarde murió por otras causas), y su hija bebé sobreviveron. Morbius teme de que la misma suerte puedan correr la tripulación del C-57D. La hija de Morbius de diecinueve años de edad, Altaira (Anne Francis) al igual que la Miranda de Shakespeare, ha crecido sin saber de cualquier hombre, excepto su padre y es muy curiosa, por lo tanto, para aprender acerca de las relaciones humanas. Como era de esperar, y visto que la chavala no es un craco sino un bellezón, varios oficiales están más que dispuestos a ayudar con su educación, pero el comandante Adams los mantiene a raya. Para la única secuencia en que se ven los monstruos del Id se emplearon técnicas de animación gentileza de la casa Disney, así como para los disparos de las armas de los protagonistas. Anne Francis es la primera actriz que aparece en minifalda en una gran producción, por lo que en varios países se prohibió la película. El hecho de que Anne apareciese descalza en todos las escenas tampoco ayudó mucho, dadas las calenturientas mentes de los censores. En España se estrenó 11 años después de filmada, en 1967.

Francis entró en el mundo del espectáculo a temprana edad, trabajando ya como modelo desde los cinco años para ayudar a su familia durante la Gran Depresión, e hizo su debut en Broadway a la edad de 11 años. Fue especialmente conocida por su actuación en el clásico de ciencia ficción que nos ocupa y que sigue siendo una de las cintas de ciencia ficción de culto y por el de detective privada en la serie de televisión de la ABC Una rubia peligrosa (Honey West, 1965 – 1966) personaje por el que ganó un Globo de Oro como mejor actriz en una serie de televisión y fue nominada para el premio Emmy.En esta película, sus adorables y hermosos rasgos ejemplifican a la perfección el lado más inocente de nuestras heroínas espaciales, sus inquietudes (que albergan deseos carnales, cosa que a la censura le importó menos que su caminar descalzo) y sus ganas de conocer lo desconocido. Es la heroína curiosa e inocente en mi lista.

Queen of outer space (EE.UU. 1958 Edward L. Bernds): Tres astronautas estadounidenses y el profesor Konrad realizan una misión rutinaria cuando su nave es atacada, desviada de su rumbo y acaba estrellándose en Venus, donde al contrario de lo que se creía saber, la gravedad y la atmósfera son asombrosamente parecidas a las de la Tierra. Tras descubrir que en ese planeta sólo viven mujeres, son hechos prisioneros, pues la reina odia a todos los hombres y, además, cree que son espías que están preparando una invasión. La reina no es otra que la MARAVILLOSA Zsa Zsa Gabor. En esta barata y cutrona muestra de lo que iba a ser la serie B de tomo y lomo los hombres son unos cabestros mujeriegos que se asustan de todo lo que hay en el planeta hasta que aparecen Ellas, y entonces se acaba el miedo y empieza la calentura. Ellas son, como mandaba la norma, bastante bobaliconas y calientabraguetas. La Gabor, que no puede estar más guapa, al igual que sus hermanas, fue introducida por su madre en el mundo de los espectáculos de «varietés» y en 1936 ganó el concurso de Miss Hungría. 

En 1941 se mudó a Hollywood en busca de un futuro mejor, le precedía con éxito su hermana Eva, quien había obtenido un papel en la película Forced Landing. 

El apogeo de Zsa Zsa en el cine fue durante la década de 1950. Debutó de la mano del conocido director Mervyn LeRoy en Lovely to Look At (1952). Participó después en películas como We're Not Married! junto a Ginger Rogers y Marilyn Monroe, en The Story of Three Loves de Vincente Minnelli y en El rey del circo junto a Jerry Lewis y Dean Martin. En 1953, rodó en Europa otra comedia, El enemigo público número 1, protagonizada por el cómico Fernandel. 

Seguramente su papel de mayor entidad (como co-protagonista) fue junto a José Ferrer en el filme Moulin Rouge (1952) de John Huston, biopic sobre el pintor Toulouse-Lautrec donde encarnó a la cantante Jane Avril, amiga y musa del pintor. El mismo Huston llegaría a afirmar que Zsa Zsa era «como actriz, digna de crédito». 

Zsa Zsa sumó a su historial cinematográfico otros dos títulos ahora legendarios: Lili (1953), película musical protagonizada por Leslie Caron, y la obra maestra de Orson Welles Touch of Evil (Sed de mal, 1958), con un brillante reparto que incluía a Charlton Heston, Janet Leigh y Marlene Dietrich. 

Zsa Zsa llegó a trabajar en el cine hispano y también aceptó trabajos en filmes de serie B. Dotada de gran sentido del humor, en su madurez llegó a parodiarse a sí misma en breves papeles en Pesadilla en Elm Street 3 (1987) y Agárralo como puedas 2 1/2 (1991). 

Aquí, en esta peli de serie B es la heroína malvada, sin escrúpulos, seductora (es imposible resistirse a ese vestuario a lo Norma Duval pero en carnes de una diosa), vamos, como a mí me gustan las heroínas... 

El pueblo de los malditos (G.Bretaña 1960 Wolf Rilla): Inexplicablemente, los habitantes de un apacible pueblo pierden el conocimiento durante unas horas. Poco después se produce otro extraño e inquietante fenómeno que parece estar relacionado con aquel desmayo: muchas mujeres del pueblo descubren que están encintas. Agentes del gobierno supervisan estos embarazos para investigar si existe o no relación entre lo sucedido y el preñazo colectivo (con el dinero de los contribuyentes, ay...). Cuando las madres paren a sus criaturas, curiosamente todos nacen rubios como querubines, casi albinos, con unos enormes e intensos ojos azules. Pero esto no es todo: parecen estar dotados de una brillante e increíble inteligencia. Conforme cumplen años, los niñitos se van revelando como seres inhumanos carentes de cualquier valor moral y parecen actuar en grupo mentalmente, como si de los miembros de una colmena se tratara. Basada en la novela de John Wyndham, Carpenter volverá a hacer una adaptación estupenda, maravillosa y muy, muy inteligente en 1995. En esta versión clásica, la protagonista, Anthea Zellaby, está interpretada por la actriz británica Barbara Shelley, que llegó a ser conocida como "La Primera Dama del Horror británico" y es fundamentalmente conocida por su trabajo en la Hammer, especialmente en maravillosas películas de Terence Fisher hoy casi olvidadas como The Gorgon (1964), Dracula, Prince of Darkness (1965), Rasputin, the Mad Monk (1965), o Quatermass and the Pit (1967) entre otras. Su primera película fue la producción inglesa Mantrap, también dirigida por Fisher, tras la que participaría en algunos filmes italianos antes de volver a Inglaterra con Cat Girl, un remake de bajo presupuesto de La Mujer Pantera de Jacques Tourneur. Shelley tenía ese toque de mujer rural, guapetona y sana que encantaba en la época, siempre a la sombra de un marido superior, pero en esta cinta supo impregnar a su personaje de unos matices más que interesantes... Por eso está en mi lista. Y porque la censura no cayó en la mofa a la inmaculada concepción de la mitad del censo que a día de hoy, sigue siendo un peliculón. 

Barbarella (francia-Italia, 1968 Roger Vadim): Barbarella fue una historieta de ciencia-ficción francesa creada por Jean-Claude Forest, cuya protagonista se convirtió en una de las más destacadas heroínas y quizás la primera del género fantaerótico, que tuvo su esplendor en los 60 y 70. Gozó de una adaptación cinematográfica en 1968, un musical en 2004 y una nueva versión de la historia, hecha para la televisión francesa dirigida por Nicolas Winding Refn que nos llegará este mismo 2014. El mago de los bodrios ensalzados, Dino de Laurentis ("Conan, el bárbaro", "Dune", "Red Sonja", "Flash Gordon") apadrinó esta película de ciencia ficción pop donde el rosa, el plástico y la tela de peluche cobran protagonismo a la sombra de la guapa entre las guapas. 

El presidente Dianthus (Claude Dauphin) del planeta Tierra, en el año 40.000, le encarga a Barbarella (Jane Fonda, una de mis heroínas espaciales preferidas) salir en búsqueda del doctor Durand-Durand (Milo O'Shea), que habita en el planeta Lithion. Al llegar su nave se estrella. Es rescatada por un habitante de SoGo (la ciudad del mal), Mark Hand (Ugo Tognazzi), un ermitaño, quien la seduce y la convence de tener una relación sexual con él. El coito es un acto desconocido para Barbarella, ya que para entonces los terrícolas usan píldoras para obtener orgasmos. 

En un intento por escapar, Barbarella se estrella nuevamente y se encuentra con otros prisioneros esclavizados. Para poder continuar con su misión ella seduce a su vez a un ángel ciego, Pygar (John Phillip Law), que recupera la capacidad de volar después del encuentro amoroso. Logra llegar a SoGo en brazos de Pygar, es capturada y llevada ante la Gran Tirana (Anita Pallenberg), reina de SoGo, y allí descubre al doctor Duran-Duran convertido en el recepcionista de la Gran Tirana. Barbarella es nuevamente capturada y condenada a morir mediante una máquina inventada por el sabio loco, que asesina a través de provocar enormes orgasmos. Ella luchará por su vida La peli empieza con un strip-tease anti-gravedad en pleno vuelo (enmascarado por los títulos de crédito),mientras Barbarella aterriza en la ciudad de Sogo, donde un nuevo pecado es inventado cada hora. Allí, se encuentra con objetos como la máquina exessive, un verdadero órgano sexual en el que un artista consumado del teclado, en este caso, el propio Durand Durand, puede conducir a la víctima a la muerte por placer, una reina lesbiana que, en su cámara de sueño , puede hacer que sus fantasías tomen forma, y un grupo de señoras que fuma una cachimba gigante que, a través de una pobre víctima que lucha en su globo de cristal, dispensa Essance del Hombre!!!!!!!!!

Strip teases, pecados pop, juguetes sexuales ciberfuturistas, drogas de diseño, ángeles fornidos ciegos y una heroína estelar vestida de Rabanne... 

Si después de leer lo anterior dudan que esta sea una de mis pelis favoritas de todos los tiempos es que aún no me conocen. 

Curiosidades que cualquier friki ocioso como yo adorarán son por ejemplo: 

-Que el personaje malvado toma su nombre de la banda de 1980 Duran Duran, iconos del pop mundial. 

-Las escenas durante los créditos de apertura donde Barbarella parece flotar alrededor de su nave espacial fueron filmados sobre un enorme pedazo de plexiglás con una imagen de la nave debajo de ella. 

-La contraseña del Dildano " Llanfairpwllgwyngyllgogerychwyrndrobwllllantysiliogogogoch " , es el nombre de un verdadero pueblo en Gales , Reino Unido ( como era de esperar , es el nombre de un lugar más largo del Reino Unido ). 

-Barbarella fue el primer personaje de ciencia ficción de cómic que se adaptó a pantalla grande antes que a la pequeña, al revés por ejemplo que Flash Gordon.

-Cuando a Virna Lisi se le negó el papel de Barbarella rescindió su contrato con United Artists y regresó a Italia. 

-SoGo , la ciudad del mal, es una referencia a las ciudades bíblicas de Sodoma y Gomorra. 

-Los nombres " Stomoxys " y " Glossina " , las dos sobrinas del Gran Tirano , en realidad son los nombres de dos especies de moscas (la mosca de los establos y la africana (o tsetsé )). 

-El autor original Jean- Claude Forest basó el personaje de Barbarella en la preciosa Brigitte Bardot - que fue irónicamente la anterior esposa del director Roger Vadim. 

-Barbarella pasa a través de 7 diferentes empotrados en toda la película .

-El traje de Barbarella fue creado por el polémico diseñador Paco Rabanne.

-Esta película está en la lista de las 100 más divertidamente malas películas jamás se ha hecho la lista del fundador del premio Golden Raspberry John Wilson (origen del Razzie).

-La cinta se toma algunas licencias respecto del cómic original: No había Durand- Durand y ningún rayo de la muerte en el cómic original , la ciudad fue construida en torno a un monstruo que eructó gas a través de una serie de conductos , y el Gran Tirano llevaba un parche en el ojo. Las relaciones sexuales de un robot con ella y otro escarceo sexual son ambos omitido de la película, a pesar de que casi todo lo demás es muy fiel al cómic. 

-Existen muestras y fotografías del set que sobrevivieron mostrando imágenes de una escena de seducción entre Barbarella y la reina Negra en una cama. Sin embargo, este material nunca ha aparecido en ninguna copia de la película. QUÉ PENA!!!! 

-Sophia Loren rechazó el papel principal.

- El actor italiano Antonio Sabato fue fichado originalmente como Dildano y de hecho llegó a ejercer como casi juguete en la famosa escena de "sexo manual ' con Jane Fonda. Sin embargo fue sustituido por David Hemmings buscando un tono menos serio. 

-Jackie Lee trabajó en la banda sonora original, escrita por Michel Magne, pero sus canciones fueron retiradas, colando sin embargo el Caro Nome, famosa aria de Rigoletto de Giuseppe Verdi, que no se pensaba incluir. 

Plagada de errores de raccord, (Barbarella en gravedad cero , y su pelo se está cayendo hacia el suelo), con un look loco, mariconcil y muy pop, la peli está en todas las listas de heroínas espaciales y en la mía, siguiendo muy de cerca a la Ripley, es mi segunda preferida. Jane Fonda, miembro de un clan de actores respetadísimos y aún en activo (y guapa a rabiar) nunca ha lucido mejor, más loca, sexy y morbosa que en esta película. Por sus logros actorales ha ganado dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro, dos premios BAFTA y un premio Emmy. 

También ha producido y publicado varios vídeos de ejercicios físicos entre los años 1982 y 1985. Fonda, además, ha sido partidaria de varias causas civiles y políticas. Se ha manifestado en contra de la Guerra de Vietnam, así como de la Guerra de Irak. Guapa, sexy y concienciada. ¿Quién da más? 

Y aquí, en Barbarella, en el año 68, el mismo en el que Peter Bogdanovich rodó su “Voyage to the planet of Prehistoric women” (que abrirá la segunda parte de este loco artículo), tomaremos tierra para darnos un respiro. Recomendamos a nuestros tripulantes que abrochen sus cinturones pues abandonamos la gravedad cero a la de ya. 

Continuará...